Il nuovo singolo di Deca parla di una relazione d’amore in tutte le sue sfaccettature: dai momenti di difficoltà in cui solitudine e malumore prendono il sopravvento a quelli di estrema felicità tra alcol, baci e sesso.
«Parlo dei miei errori e dei suoi e di come ne siamo usciti, di come abbia bisogno di lei, senza però riuscire a esprimerlo se non attraverso la mia musica» Deca.
Nato a Torino nel 2005, De Carolis Gabriele, in arte Deca, si affaccia nella scena musicale emergente torinese all’età di 14 anni. In due anni ha toccato diversi generi dimostrando la voglia di sperimentazione, passando dalla techno all’indie fino all’hardcore trap. Tutte le uscite sono sotto il segno dell’Urban Central, studio torinese in cui l’artista è cresciuto, sia musicalmente che non.
Fino al 31 maggio artisti, band e cantanti avranno tempo per inviare la loro reinterpretazione di uno dei brani del cantautore americano.
“NOI & Springsteen” chiama a raccolta tutti i musicisti che vogliono sperimentarsi con le canzoni senza tempo dell’artista americano.
Dopo il successo delle passate edizioni che hanno visto la partecipazione di più di 150 musicisti, torna il contest “Cover me”. Per partecipare, è richiesta una reinterpretazione di uno dei brani di The Boss, senza però snaturarne l’essenza o la melodia.
Le candidature saranno poste al vaglio di una giuria di qualità, composta da esperti e critici musicali, presieduta da Claudio Trotta, fondatore della booking agency Barley Arts. I 20 brani selezionati saranno caricati sul sito www.noiespringsteen.com entro il 15 giugno. Dal 30 giugno al 4 settembre sarà infatti il grande pubblico a giudicare le interpretazioni, facendo accedere alla finale i 10 artisti più votati.
Attesissima la finale che, novità di questa edizione, si terrà al Druso, locale di Ranica (Bg) tra i migliori club di musica dal vivo italiani.
Tutti in sala quindi per la serata finale sabato 24 settembre con presente anche la Giuria di Qualità per decretare il vincitore del Contest COVER ME 2022.
“L’edizione di quest’anno prevede un’agenda ricca di appuntamenti, per proseguire con quella che è ormai diventata una tradizione del campo artistico-musicale: il successo ha raggiunto anche lo stesso Bruce che, lo scorso anno, ha apprezzato la cover dei vincitori del premio della critica 2021, The Householder Reloaded – spiega Alberto Lanfranchi, fondatore del gruppo “NOI & Springsteen”– ma ciò che fa di questo contest un’iniziativa unica è il fatto che sia rivolta al grande pubblico, non soltanto ai fan di Springsteen: l’evento è diventato un punto d’incontro tra i diversi generi musicali, coinvolgendo, tramite il filo rosso della passione per la musica, artisti straordinari.”
Oltre al premio principale ricordiamo il Premio della Critica che verrà assegnato da una giuria di altissimo livello presieduta da Gino Castaldo, critico musicale tra i più noti in Italia e che da oltre 40 anni narra, con immagini e parole, la storia dei grandi nomi della musica italiana e internazionale.
Concerto etno-sinfonico con Orchestra Sinfonica Gioachino Rossini, l’Alexian Group e i solisti dell’Orchestra Europea per la Pace
Pesaro – Dopo l’importante successo del concerto etno-sinfonico,tenuto presso il Teatro Fedele Fenaroli di Lanciano il 15 Maggio 2021, in occasione della commemorazione della Giornata dell’Orgoglio dei Rom e Sinti, l’Orchestra Sinfonica “G. Rossini” (OSR), istituzione concertistica marchigiana di fama internazionale, riconosciuta dal MIC e dal MI per il costante apporto in ambito scolastico, ha inserito, all’interno di Sinfonica 3.0, la stagione concertistica organizzata dall’OSR, insieme all’Assessorato alla Bellezza del Comune di Pesaro e all’azienda Xanitalia, che da 10 anni sostiene l’arte e la cultura sul territorio, il secondo Concerto etno-sinfonico.
L’evento si terrà venerdì 8 aprile 2022, alle 21,e si svolgerà presso il Teatro Sperimentale di Pesaro, nominata nel 2017 “Città Creativa UNESCO” per il consistente ed incessante apporto in ambito musicale, e proclamata, solo pochi giorni fa, Capitale Italiana della Cultura 2024.
L’8 aprile è la Giornata Mondiale dei Rom e Sinti e l’evento pesarese è dunque di portata internazionale con molti ospiti prestigiosi dall’Italia e dall’estero. Il concerto vedrà protagonisti la prestigiosa Orchestra Sinfonica Gioachino Rossini, l’Alexian Group e i solisti dell’Orchestra Europea per la Pace. Un concerto etno-sinfonico con brani lirici cantati in lingua romanì da due soprani e un tenore.
La famiglia di rom italiani di antico insediamento formata da Alexian Santino Spinelli alla fisarmonica solista, recentemente nominato Commendatore dal Presidente Mattarella, e dai suoi figli, Gennaro al violino solista, Giulia al violoncello ed Evedise all’arpa con l’Alexian Group, interagirà con i solisti dell’Orchestra Europea per la Pace e con l’Orchestra Sinfonica Rossini, che sarà diretta dal M° Nicola Russo.
La famiglia Spinelli si è esibita al cospetto di Papi, di Capi di Stato e di Governo, e nei luoghi istituzionali come il Palazzo del Consiglio d’Europa a Strasburgo, il Parlamento europeo a Bruxelles e alla Presidenza del Consiglio dei Ministri di Palazzo Chigi a Roma. Hanno suonato nell’aula magna dell’Università La Sapienza in occasione del 60° anniversario dei trattati di Roma, oltre che nei più importanti teatri italiani ed europei.
Il concerto rappresenta un evento artistico e culturale originale e di grande spessore con musiche composte da Alexian Santino Spinelli, che ne è esecutore e interprete insieme ai figli, oltre che con l’esecuzione sinfonica di brani rom celebri. Un evento che segna anche il passaggio storico della musica rom dal folklore al sinfonismo dopo 600 anni di presenza delle comunità romanès in Europa e in Italia. Il concerto è un viaggio suggestivo in cui vengono rievocate, attraverso suoni e parole, le radici profonde di un popolo millenario caratterizzato da prismatiche sfumature culturali.
Sinfonica 3.0 vanta il sostegno dell’Assessorato alla Cultura della Regione Marche, del Ministero della Cultura e di Amplifon. Per questo evento specifico collaborano anche il Meeting delle Etichette Indipendenti (MEI), Novagro di Lanciano, l’Accademia dei sensi di Napoli, la Federazione Italiana Circoli Cinematografici (FICC), l’Associazione Logos Cultura di Pescara, l’Anpi di Lecce, Gli amici per l’UNESCO di Galatina, l’Unione delle Comunità Romanès in Italia (UCRI).
I biglietti per il Concerto etno-sinfonico (costo da 5 a 15 € con riduzioni per giovani e giovanissimi) sono in vendita presso la biglietteria del Teatro Sperimentale in via Rossini a Pesaro (tel. 0721 387548), aperta dal martedì al sabato dalle 17.00 alle 19.30; nel giorno di spettacolo anche dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 17.00 a inizio concerto. Online suwww.vivaticket.it e in tutti i punti vendita del circuito Vivaticket.
E’ una canzone fresca e coinvolgente quella che che ci presenta il cantautore Alex Liam. Un sound che coinvolge e resta impresso ed un testo che racconta le difficoltà generazionali e la solitudine in cui spesso ci si racchiude per cercare di trovare un sollievo anche con atteggiamenti e modi inconsapevolmente sbagliati.
“Fra Tutti Con Me” è un brano che parla delle difficoltà di una giovane ragazza nell’affrontare i problemi familiari e della vita in generale, sfoga le proprie frustrazioni tra alcol e fumo ignorando tutte le persone che vogliono esserle vicino, compreso l’autore del pezzo.
Alex Liam è un cantautore e musicista di 27 anni della provincia di Caserta. All’età di 18 anni si trasferisce a Milano dove forma una band e con questa riesce a farsi strada fino ad arrivare a suonare sul palco dell’Alcatraz con un pubblico di 5000 persone. Purtroppo dopo diversi problemi il gruppo si scioglie e Alex inizia a crearsi il suo percorso da solista. L’amarezza provocata dal sogno infranto della band lo ha lasciato “fuori gioco” dal mondo della musica fino ai suoi 27 anni, ma con il suo nuovo singolo d’esordio “Fra Tutti Con Me” vuole lasciarsi il passato definitivamente alle spalle, e ricominciare a fare ciò che più ama al mondo, la musica. Il suo genere è un mix tra pop, pop rock ed elettronica.
Un’esortazione a vivere la vita vera, lontano dagli schermi e intrisa d’azione
“I sogni non finiscono mai” è il secondo singolo del Toro, che è autore di testo e melodia, mentre l’arrangiamento è stato realizzato dal producer Jody Baccoucha.
Il pezzo pop rock, segue il brano di esordio Morgana, ed ha una duplice valenza: da una parte critica in modo cinico l’odierna tendenza di tutti ad essere schiavi dei social e dipendenti da internet, dall’altra è un’esortazione a reagire a questo stato di inedia, per vivere in modo positivo, come Jim Carrey nella pellicola “Yes Man”.
Questo nuovo singolo, in cui emerge il tributo al miglior pop rock italiano, nasce con un’indole ribelle, trascinata dal ritornello che incita a prendere coscienza della situazione, mentre la riflessione sociale si compone nelle strofe, veicolo di un messaggio più ampio.
“Toro” è un progetto DAE Music, nuova etichetta indipendente dell’editore Dario Abate, già attivo con i marchi HOW2 Edizioni e Dario Abate Editore.
Toro è un rocker nell’animo, definito “ebbro cantautore” per la sua tendenza a raccontare storie vere, in modo molto diretto e irriverente, a volte anche crudo. “Toro” è un soprannome che nasce nella notte dei tempi, che sintetizza un aspetto peculiare dell’artista: la sua grinta. Toro nasce a Napoli, ma si trasferisce in giovane età a Milano, dove si laurea in design, prima di ottenere un master in Strategie Aziendali presso la Bocconi. Nella vita è un imprenditore in vari settori, tra cui l’editoria. Da sempre appassionato di musica, si avvicina alla sua produzione in età matura, seguendo una sempre più insistente ispirazione.
Il progetto nasce grazie alla collaborazione con il producer Jody Baccoucha, autore degli arrangiamenti. I riferimenti musicali del Toro sono molteplici: partono dal rock italiano dei Vasco Rossi, Ligabue, Piero Pelù, Edoardo Bennato, fino ai Maneskin, passando per il pop degli 883, di Nek e Cremonini, fino alla dance italo disco. A febbraio il primo singolo pubblicato è “Morgana”.
Reggae e rap si intrecciano, tra gli andamenti alterni della sorte che condiziona la vita di tutti noi.
L’atmosfera di “Tombola” ricorda l’aria tropicale classica del reggae, ma porta con sé un’evoluzione ispirata alla world music di Manu Chao. Le liriche pop e dirette di Galup incontrano qui il mondo e le rime di Claver Gold, fondendosi su una produzione energica che catapulta l’ascoltatore in un viaggio ricco di suoni freschi e positività.
«La vita mia è una tombola» canta Galup nel ritornello con una chiara citazione al brano “La vida tombola” di Manu Chao, ma il brano trova il suo significato nella descrizione che i due artisti fanno della fortuna, che nella vita un po’ viene e un po’ se ne và. La sorte come in un gioco, ma anche come il ritmo del brano, cambia e si evolve costringendoci a rallentare o accelerare per non perdere le occasioni.
Il singolo è il primo del 2022 per il rastaman che, prima della pandemia, aveva chiuso un fortunatissimo tour al Jova Beach Party di Viareggio.
In previsione c’è un nuovo album e il prosieguo del progetto culturale iniziato con il brano “Abbi cura di te” che vede l’artista impegnato nella promozione del territorio, avvicinando i giovani, attraverso musica e video, alla riscoperta della provincia e delle sue bellezze.
Il video di “Tombola” fa parte di questo progetto di valorizzazione ambientale e culturale promosso da tre Associazioni culturali bresciane: Made in Brescia, Quelli della Piazza e Fondazione Padernello.
Attualmente Galup suona con Nicola Sanzogni alla chitarra, Marco Antoniazzi alla batteria, Stefano Porteri alle percussioni, Federico Dibiase alla tromba ed Andrew D al basso.
Radio date: 11 marzo 2022
Etichetta: Autoproduzione
Prodotto e registrato da Xs Music ed Andrew D presso il Ritmo&Blu Studio di Pozzolengo (BS)
Galup, nome d’arte di Alberto Galuppini, nasce il 6 Marzo 1992 a Montichiari (BS) e si avvicina al mondo della musica nel 2009 anche grazie al supporto del produttore Marco Garda (DJbeat Studio). Appassionato di reggae, Galup sperimenta subito lo stile vocale vibrato classico del reggae roots e nel 2010 pubblica un mixtape registrato su riddim giamaicani, “Rataparadise”. Da qui fino al 2012, si esibisce dal vivo in tutto il nord Italia e lavora e collabora con Mr Rain, Osso e Stefano Ferrari (DjFerry, Karma Recordz) fondendo il reggae con l’hip hop e la dance hall. La contaminazione musicale si piazza subito al primo posto della sua concezione artistica. A fine 2012 Galup comincia a collaborare con Cianobi, produttore musicale del team Strongvilla, con cui pubblica il singolo “Corro”. A questo segue “Avevo un sogno”, altro singolo con il featuring di Shaman e la produzione di Kuma 19. Questi due brani ottengono un buon riscontro e a inizio 2013, la redazione di X Factor lo invita ai casting. È così che il pubblico televisivo, grazie alla partecipazione agli home visit dell’edizione 2013 del popolare programma musicale, inizia a conoscere e apprezzare Galup.
A esperienza finita, Galup pubblica il singolo “Questione di carattere”, ispirato all’esperienza televisiva e, quasi in contemporanea, inizia a girare l’Italia con un tour che gli fa prendere coscienza della visibilità ottenuta e delle potenzialità della sua musica. Grazie alla collaborazione con il team artistico di Strongvilla, divenuta sempre più solida, inizia a lavorare ad un album ufficiale che decide di intitolare “Libero”, pubblicato nel febbraio 2015.
Da luglio 2014, Galup e Strongvilla iniziano a pubblicare i video di alcuni singoli che anticipano l’uscita del disco: “Mondo migliore”, con il feat. di Mr.Rain, “Respiri musica”, con i feat. di KgMan e EasyOne e “Non comprendo”. Gli altri ospiti presenti nel disco sono Nico Royale, Milan Lion e Shaman. Le produzioni sono di Cianobi, Virgo, Kuma 19 e Dj Ferry.
Nel 2018 Galup, rafforzato dall’ entusiasmo che ha accompagnato i suoi singoli e video come “Vieni insieme a me”, “In fondo siamo uguali” e “Segnali di fumo” feat Grido, propone il suo progetto al sito di crowdfunding Musicraiser, rendendolo originale e divertente con concerti a casa, consegne a domicilio e cene con i fan.
Questo feeling diretto e divertente con il pubblico e il raggiungimento del budget necessario hanno permesso al giovane rastaman di pubblicare nel 2018 un nuovo album “Tutto torna”, disco di ritorno che porta freschezza grazie alla fusione del reggae col pop e i suoni caraibici.
Con il supporto di Musicraiser, Red Bull Tour Bus E Get Up Music, durante il 2018 Galup suona in tutta Italia nei Festival, nei Club e non solo aprendo i concerti ai più grandi come Alborosie, Boomdabash, Mellow Mood, Ghemon, SOJA e Africa Unite, partecipando anche al Campovolo Reggae Fest in compagnia di tutti i colleghi italiani, Kg Man, Mama Marjas, Lion D, Raphael e molti altri accompagnati da un unica band, i Sound Rebels.
Nel 2019 Galup forte dei risultati ottenuti da “Tutto torna” lancia, oltre al merchandising, la sua linea in edizione limitata di infiorescenze al Cbd, in collaborazione con Too Weed, dal nome “Erba del Re” ispirata ad uno dei suoi brani più conosciuti, inoltre collabora con Kg Man ed i famosi Djs Ackeejuice Rockers al singolo “Tu sei come me” “distribuito da Thaurus Music per Universal fino ad arrivare insieme a loro sul palco del Jova Beach Party insieme a Jovanotti a Viareggio, davanti a 40.000 persone.
Galup da due anni lavora con un nuovo team, formato da due giovanissimi produttori, XS Music e Andrew D ed è impegnato nella realizzazione del prossimo album di inediti.
Un testo intriso di autoanalisi avvolto da un sound battente
In radio dal 25 marzo
Domande esistenziali. È questo il filo conduttore di “Morto”, un brano denso di significati e di autoanalisi e critica sociale verso stereotipi che riguardano in particolare i giovani.
Il testo ha avuto una genesi travagliata, cercando di dare il giusto peso alle tematiche trattate e costruendo un equilibrio con un sound accattivante, da memorizzare al primo ascolto
«”Morto” è una pagina di un fantomatico diario di un qualsiasi uomo che ha bisogno di sfogarsi. Spero che questo brano possa arrivare a più persone possibili e che soprattutto, queste stesse persone, possano ritrovarsi a modo loro, in ciò che è stato detto»Croma.
Marco Mannarini in arte “Croma” nasce a Brindisi nel febbraio 2002.
L’incontro con la musica avviene fin da subito con l’avvicinamento a varie culture musicali grazie ad insegnanti di storia della musica e compagnie ludiche in cui venivano mossi i primi passi sia come chitarrista che come autore e compositore.
I primi brani pubblicati nel 2021 sono usciti sotto l’etichetta indipendente “Wow Records” con cui Croma incide “Fuoco”, “Dicono”, “Va così” e “Priorità”.
Successivamente tramite il format “Insert Coin” ottiene la possibilità di essere New Challenger per “Aar music”, ottenendo quindi la possibilità di confrontarsi con una nuova realtà. Ne scaturiscono un brano ed il relativo videoclip intitolato “La mia ora”, singolo dalla scia drill “sporcata” con una tendenza pop/melodica tanto da guadagnarsi il nome di “Melodrill”.
L’accettazione di sé e del proprio carattere con spirito autoironico
in radio dal 25 marzo
«“Un po’ caotica” è la definizione migliore di come mi sono sempre sentita internamente ed esternamente. Anche a momenti nevrotica e incasinata se devo dirla tutta» Sintesi
La canzone nasce dalla consapevolezza che questa parte del carattere dell’artista ci sarà sempre e quindi occorre accettare che esista insieme a tutto il resto. C’è una vita intera per sbagliare, è normale farlo e non bisogna rimuginarci troppo sopra, ma semplicemente prendersi il meglio di quello che ci dà, ammettendo che la perfezione non esiste e la noia è dietro l’angolo.
Camilla Giorgia Bernabò, 18 anni appena compiuti, nasce a Pietrasanta, in provincia di Lucca. Il nome d’arte è “Sintesi” in modo autoironico, visto che sempre le hanno detto di parlare meno. A maggio 2021 ha pubblicato il suo primo inedito “Astronauta”, prodotto e arrangiato da Alessandro Di Dio Masa per Musicantiere Toscana. Partecipa al Festival delle Alpi Apuane classificandosi seconda e vincendo il premio “Miglior Arrangiamento”. Successivamente si iscrive al Festival di Castrocaro classificandosi prima ex aequo. Inizia a studiare canto, dando seguito alla passione per la musica, lo spettacolo e qualsiasi forma d’arte che ha da quando è piccola. Scrive canzoni per il bisogno di sfogare gli infiniti pensieri che le passano ogni giorno per la testa. L’arte in generale, ma in particolare la musica, sono “il suo modo di stare al mondo”. Il suo progetto artistico ha l’obiettivo di unire i suoni elettronici al cantautorato italiano. In tutto questo vuole inserire però la sua personalità e la sua creatività, cercando di portare qualcosa di nuovo nel panorama musicale. La cosa fondamentale per lei è riuscire a comunicare attraverso la sua musica Attualmente è impegnata in studio con il suo produttore e manager Alessandro Di Dio Masa per la creazione e gli arrangiamenti di nuovi inediti.
Un brano dalle sfumature pop che vuole parlare a più generazioni del mutare della nostra società e di quanto ci si affanni a rincorrere la vita.
Tematica centrale del nuovo singolo di Laura B è la costante ricerca del senso del vivere e della vita intesa come un gioco fatto di scelte con risultati a volte disattesi.
Risiko inizia con un proverbio, il ponte tra due generazioni che vivono in maniera diversa una società che è oggi in continuo cambiamento, una società veloce che non concede tempo al pensiero pensato.
Nella strofa del brano si racconta lo stato intimo di chi vorrebbe uscire dal circuito di corsa che investe la società, una società vista come indifferente e indaffarata.
Lo special è un momento dedicato alla risoluzione, alla risposta simile ad una visione: i sogni, i desideri si materializzano e fanno rinascere un senso di speranza nella protagonista.
Anche la copertina del brano riporta questa visione della vita attraverso il disegno di un labirinto, da sempre luogo della ricerca, dell’affanno, del gioco, della soluzione, ma anche del senso di smarrimento e di solitudine.
Laura B è una cantante e autrice di brani inediti italiani e stranieri.
Inizia a calcare i palchi all’età di 17 anni in teatro, esibendosi per alcune compagnie teatrali e prendendo parte alla tournée del musical “Chiuso per western”, vincitore del premio FITA Italia. Proprio in teatro, grazie ad un regista che le propone un pezzo di Janis Joplin (Little Girl Blue) come leitmotiv di un suo personaggio, si avvicina alla musica e al canto.
Comincia l’attività musicale nel 2009 cantando cover in alcune formazioni acustiche ed elettriche in stile black: blues, jazz, soul e rock blues, collaborando tra gli altri con Lalla Francia, Lucio Bardi (chitarrista di Francesco De Gregori), Luciano Ninzatti (turnista di Loredana Bertè).
Nel 2016 incide il suo primo album come cantante leader e autrice di brani in inglese: “Pop hurt” con il gruppo Lemon Squeezers, distribuito dalla Maninalto! Records, con un susseguirsi di numerosi live tra cui: Bum Bum Festival in apertura a Ruggero de I Timidi; Radio Onda D’Urto; Sun Valley Festival in apertura a Giuliano Palma; Carroponte in apertura ai Vallanzaska. Il progetto riscuote un discreto successo e numerose recensioni positive. Nel frattempo si diploma ai Civici Corsi di Jazz di Milano in Canto Jazz.
Nel 2019 partecipa come solista con brani inediti al concorso Sanremo Rock, esibendosi al Teatro Ariston di Sanremo e vincendo il premio ET Team.
Oltre al suo progetto di inediti in italiano, è impegnata in alcuni progetti che valorizzano il talento al femminile. Con il suono inedito del trio Soundscapes, in collaborazione con il bassista Alberto Viganò e il polistrumentista Nicola Gallo, racconta storie di donne, cantautrici, interpreti e autrici nel progetto “Scia”, pubblicato anche nell’omonimo disco dal vivo (2021), e nel progetto “Voglio sentirmi Mia: donne ribelli”, che parte dal repertorio delle sorelle Bertè e racconta storie ribelli e donne ribelli nella musica italiana. Ribelli o rivoluzionarie? Ribelli o donne autentiche?
Con il progetto Women in Woodstock, accompagnata da Manuela Di Gennaro (Mama’s Anthem, Rootical Foundation) e Valentina Benaglia (La Malaleche, Shame & Skandal), porta sul palco le donne che hanno partecipato al festival (che scelse solo cinque progetti di e con donne per tre giorni di musica). È in preparazione uno spettacolo teatrale, con la regista Laura Casati, che mette in relazione Janis Joplin, Grace Slick e Joan Baez con le artiste del giorno d’oggi: uno spettacolo ironico e di denuncia. Le artiste stesse, con le loro testimonianze, collaboreranno alla scrittura dello spettacolo.
Da tre anni è impegnata nel direttivo del gruppo Arcichedonne di Rho che promuove iniziative sulla condizione femminile.
A novembre 2021 esce con un nuovo singolo da solista “Elisa”, in occasione della Giornata contro la violenza sulle donne. Successivamente a marzo 2022 esce con un nuovo brano dal titolo “Risiko”.
Una dedica alla musa ispiratrice per eccellenza, unione di amore e musica
È una “regina” come nelle più classiche delle rock stories, l’oggetto della dedica che Sesto Rigo mette in musica in questo suo esordio solista.
Un nuovo progetto che arriva dopo anni di rock band, nella ricerca del suono alternativo, anni ’90 in cui affonda le radici la sua musica. Il suo stile vocale è scuro, graffiante, unito a una melodia che subisce le influenze musicali di artisti come Vasco Rossi, Negrita, Litfiba e di maestri del rock internazionale come Pink Floyd e Dire Straits.
Sesto Rigo è musicista e scrittore attivo nella musica pop rock dagli anni Novanta. Ha avuto una vita itinerante che lo ha portato a cambiare spesso dimora e casa, negandogli il senso di appartenenza a un luogo preciso. Aver vissuto in molti luoghi lo ha costretto, anche, a non avere la possibilità di radicarsi in un contesto musicale solido, dovendo spesso rinunciare alla musica per motivi familiari o lavorativi. In questo contesto la musica diventa un lasciapassare per la libertà.
Sesto Rigo è caratterizzato da un carattere sensibile, cerebrale, non conformista, accomodante, nostalgico, sognatore. Un’inquietudine di fondo lo porta alla costante ricerca e curiosità, che si traduce nell’eclettismo.
La sua biografia si compone di un esordi pop-rock a Siena con i “Peraspera ad Astra”, mentre dal 2004 al 2010 si dedica al teatro, a Mantova con la compagnia “Officina delle Arti”, a Torino con “Arte Muda”, a Piacenza con “Quarta”.
Dal 2005 al 2006 fonda un gruppo rock a Mantova salvo poi trasferirsi a Lione e interrompere nuovamente la propria carriera musicale. Nel 2017 fonda i “Girone 10”, band di rock italiano che suona pezzi composti da lui stesso, mentre tra il 2018 e 2019 diventa cantante dei “Maybe”, cover band rock anni 70-80. Nel 2018 diventa cantante dei “The Smoking Bones”, band punk-rock. A marzo 2022 pubblica il suo esordio solista con il singolo “Regina”.
il nuovo progetto dell’artista con la partecipazione di Stèphane Marrec
Un nuovo lavoro in cui il Jazz e il blues si mescolano per dar vita ad un interessante progetto musicale , impreziosito dalla collaborazione di Stèphane Marrec contrabbassista francese.
L’artista pugliese si propone con 5 brani che spaziano dal Blues alla Bossa nova in perfetto stile jazz in cui l’anima di ogni composizione viene valorizzata da spontaneità e tecnica dal fraseggio sincopato, dalla poliritmia strumentale che ci riconducono alle struttura naturali del genere . L’ album è dedicato a Vito Albano scomparso a Gennaio 2021.
Nicola Albano chitarra elettrica e classica Stèphane Marrec , arrangiamenti, contrabbasso e batteria synt
Nicola Albano chitarrista, compositore concertista. Nato a Santeramo in colle in provincia di Bari, inizia gli studi musicali da giovanissimo sotto la guida del padre studiando chitarra classica. Si diploma in chitarra classica con il massimo dei voti sotto la guida di molti insegnanti al conservatorio E.R. Duni di Matera. Nel 2005 si diploma in musica jazz presso il conservatorio E.R. Duni di Matera e nel 2008 si perfeziona presso il conservatorio N. Piccinni di Bari ottenendo il diploma di secondo livello. Nel 2009 segue il master all’ università Tor Vergata di Roma. Nel 2015 consegue l’ abilitazione all’ insegnamento in chitarra classica per l’ insegnamento nelle scuole di primo e secondo grado presso il conservatorio N. Piccinni di Bari. Segue numerosi master in chitarra e composizione con artisti di fama internazionale quali John Scofield, Tommy Emmanuel, Leo Brouwer, Alirio Diaz, Carlo Carfagna, Franco Morone, Dusan Bogdanovic e Maurizio Colonna. Si esibisce in diversi concerti con artisti di fama internazionale recandosi pure in Francia, Germania e Spagna. Ha suonato al festival della chitarra di Fiuggi e di Mottola. Alcune sue musiche sono state inserite nel DocuFilm “Il futuro in una poesia” presentato al festival di Venezia nel 2017. E’ docente di chitarra di ruolo nelle scuole medie ad indirizzo musicale dal 2020.
Stèphane Marrec, bassista e contrabbassista francese residente nel Morbihan (Bretagna), Stéphane ha iniziato la sua carriera musicale all’età di 12 anni. Influenzato da Herbie Hancock, Pastorius, Charlie Mingus ecc… ha debuttato come musicista con il gruppo Le Cercle (stile elettro jazz) nel 1994. Tre album sono stati pubblicati da questo progetto, due dei quali (Magnetic nel 2008 e All Around nel 2012) in collaborazione con FIP Radio, una stazione radio francese fondata nel 1971 e che fa parte del gruppo di Radio France. Per non parlare dei tanti concerti effettuati in Francia, ma anche all’estero, dal 1994 al 2014. Il suo stile groove, funk e jazz lo ritroviamo nei vari progetti di cui fa parte oggi, come Dyptik Climatik (stile lo-fi e progetto personale in corso),The Oulalajazzband (swing jazz), Robot Sapiens (elettro pop), Aurélia(Folk), Opus B (musica tradizionale irlandese con influenze folk).
Dopo la breve pausa di fine Febbraio, è ripartito il tour americano di Tango Argentina, che continua a mietere successi data dopo data, concerto dopo concerto. La seconda parte della tournee ha esordito in Florida a Naples, al Myra J. Daniels Pavillion, per proseguire poi ad Orlando e Amelia Island.
Nelle prossime settimane il gruppo farà rotta verso Washington DC e New York per le ultime entusiasmanti date.
In occasione della data di Rockville (Maryland) al Robert E. Perilla Performing Arts Center, l’intero concerto è stato trasmesso live streaming sul canale Youtube ufficiale del teatro. Un grande successo di pubblico presente e collegato on line. Un evento straordinario che ha permesso la visione dello show anche a spettatori di altre nazioni in tutto il mondo.
Tante le date ancora in calendario e c’è grande attesa adesso per il finale di tour che si svolgerà a New York City il prossimo 3 Aprile 2022 al Lehman Center.
“Tango Argentina” si è rivelato uno spettacolo incredibile che ha emozionato grandi e piccini, attirando l’attenzione di decine di testate giornalistiche e trasmissioni televisive che hanno voluto dedicare ampio spazio ad interviste e recensioni.
La perfetta sinergia tra i brani composti da Fabrizio Mocata e le coreografie create da GD tango in una idea di spettacolo di tango innovativa. Gli artisti sul palco riescono a coniugare un profondo rispetto del tango classico con una apertura a nuovi mondi artistici. Il pubblico sente questa energia condivisa tra musicisti e ballerini, che trascina magicamente lo spettacolo senza perdere mai di vista l’ascoltatore.
L’ultimo brano del primo tempo è Charlestonga, che mette insieme gli anni ruggenti negli Stati Uniti e la milonga argentina in un mix che trascina il pubblico e chiude lo spettacolo. La tradizione affiora nell immancabile Cumparsita e nei brani di Pugliese e D’Arienzo, e in diversi momenti dello spettacolo anche la presenza di Astor Piazzolla.
Uno spettacolo veramente magico, che riesce ad attirare sia i conoscitori del tango che chi non ha nessuna preparazione, il successo di pubblico e le calorose standing ovation non sono altro che il sigillo e la conferma di una altissima qualità artistica.
Sul palco 8 ballerini e 4 musicisti di fama internazionale.
Il gruppo GD Tango, guidato da Guillermo De Fazio e Giovanna Dan, insieme alle altre tre coppie Marcos Pereira e Florencia Borgnia, Andres Bravo e Sarita Apel, Paloma Berríos e Maximiliano Alvarado.
La sezione musicale invece è curata dal Fabrizio Mocata Quartet, formato da alcuni dei musicisti più talentuosi al mondo. Fabrizio Mocata, pianista di fama internazionale, responsabile di tutti gli arrangiamenti; Moshe Shulman al bandoneon, Diana Seitz al violino e Dominic Martinez al contrabbasso.
Per rimanere sempre aggiornati potete seguire Tango Argentina tramite i canali social ufficiali
Olga De Maio, soprano è artista lirica partenopea, dalla formazione e dalla carriera internazionale : in particolare inizia alla tenera età di 10 anni come “voce bianca” e solista dei Pueri Cantores di Santa Chiara e presso il teatro San Carlo, diplomata a pieni voti presso il Conservatorio San Pietro a Majella di Napoli, docente per un periodo nella stessa Istituzione musicale, ha collaborato con illustri nomi del mondo della musica e dello spettacolo, quali Roberto De Simone, Katia Ricciarelli, Isabella Rossellini e Gerard Depardieu, Lina Wertmuller.
La De Maio è stata protagonista in prestigiose stagioni concertistiche con musicisti del calibro di Uto Ughi, Salvatore Accardo, Michele Campanella e Cecilia Gasdia.
È presente come artista lirica sulla Enciclopedia della Canzone Napoletana, curata dal giornalista e musicologo Pietro Gargano.
Dal 1987 e’ solista al Festival Internazionale di Musica Classica, poi protagonista nel ’92 al Casteldell’Ovo del “Laudario di Cortona”, partec a trasmissioni televisive Rai e Mediaset( Il Mercato del Sabato, Uno Mattina, Moda Mare Positano),poi presso la Fondazione Circolo Artistico Politecnico, Teatrino di Corte a Napoli nel Laudate Dominum di Mozart.
Vince Concorsi quali il Pergolesi, esibendosi al Teatro Bellini di Napoli,Concorso Internazionale “Pavarotti”, risultando tra I migliori cantanti lirici del mondo, il Mascagni” “Caruso”, “S.Cecilia”, “Mario Lanza”etc
E’Artista stabile del Teatro S.Carlo, la sua lunga carriera internazionale si svolge presso la “Royal Academy of London”,Cambridge ed Oxford Univerity, ad Atene solista con Depardieu e la Rossellini, con Katia Ricciarelli e per il M.tro Roberto De Simone e al Teatro San Carlo con il M.J.Tate.
Alterna attività solistica e concertistica che negli ultimi anni l’ha portata all’incisione dei Carmina Burana di Orff, ed è anche solista del Teatro S.Carlo
Olga De Maio ha realizzato eventi con i patrocini delle massime Istituzioni pubbliche, tra le quali il Forum Internazionale delle Culture, le Celebrazioni Internazionali delle Relazioni tra Italia Giappone, eventi celebrativi per l’indimenticata Enrico Caruso, il tradizionale Concerto di Capodanno a Napoli.
Insignita di prestigiosi premi del mondo della cultura e dello spettacolo tra i quali “Ritratti di Territorio”, “Remigio Paone”, “Premio Masaniello” ed “Enrico Caruso”. De Maio ha un repertorio che spazia dalla romanza da salotto, opera, operetta e canzoni classiche napoletane di cui hanno inciso anche vari cd per la “Ricordi” ed un inedito lirico pop “Anche quando non vuoi”, composto per loro dagli autori di Bocelli, Mina e Celentano.
È ideatrice e conduttrice del format televisivo “Noi per Napoli show” in onda su emittenti televisive campane, in cui la lirica incontra arte, cultura, spettacolo, società ed attualità.
Numerosi i format da lei ideati in seno alla storica Associazione Culturale Noi per Napoli,fondata dalla Dott.ssa Emilia Gallo, di cui è direttrice artistica e rappresentante legale, per promuovere costantemente l’arte e il bel canto tra cui “Luoghi Storici e Musica” e “Atmosfere da Sogno” realizzati nei più importanti siti storici e monumentali della Campania
Recentemente protagonista sulle pagine dei settimanali “Dipiù Tv” e “Visto”, ha lanciato l’iniziativa del “Festival delle Arti” che ha riscosso successo internazionale, sia sul web che in importanti teatri di Napoli.
È testimonial di importanti aziende produttrici di cosmetici e trucchi teatrali.
Ha sempre un occhio di riguardo verso l’aspetto sociale per azioni benefiche ed ha inciso nuovo brano lirico-pop del cantautore italiano Paolo Audino, con la prestigiosa etichetta discografica della Kicco Music di Giovanna Nocetti, dal titolo ” Niente è niente “, disponibile su tutte le maggiori piattaforme streaming internazionali con grande successo !
Un brano dirompente che rompe ogni schema del bon-ton e del politically correct, creato con l’unico scopo di puntare i riflettori su dinamiche alle volte grottesche. “Mery”, questo è il titolo del singolo, si potrebbe definire impegnativo, sia per testo, che per musica. Sulle note di un genere elettro- swing , musicalmente frutto di studio e ricerca, si apre un testo singolare, che va letto in chiave assolutamente ironica e metaforica. Un arrangiamento iniziale, in bianco e nero, che richiama un momento di balli festosi, rotto dall’incalzare delle forti tinte del testo, ricco di parole apparentemente al vetriolo: una donna ben vestita e dal bell’aspetto ha sicuramente più possibilità di essere ascoltata rispetto a chi appare più sciatto e trasandato. Un certo appello al motto “l’abito non fa il monaco”, come partenza ilare e leggera, per parlare di un tema sentito e sofferto, oggi come ieri: la meritocrazia . «La Mery dov’è?» recita il ritornello, indicando con il nome “Mery” quel sistema meritocratico che non sempre premia giovani e meno giovani.
Studi e competenze non sono sempre sufficienti per raggiungere le meritate soddisfazioni. Capita che curriculum privi di competenze scavalchino i meritevoli, sol perché dotati di un biglietto da visita “ben referenziato”. Il brano urla la rabbia di chi vuole lavorare al meglio, senza scendere a compromessi. Inoltre, il testo di “Mery” cerca di dare voce, strappando un mortificato sorriso, a tutti i giovani costretti a lasciare il proprio Paese. Un brano complesso, che ha necessitato di nove mesi di tempo per essere prodotto. Una voce fuori dal coro, che vuole essere l’eco del coro stesso: non bisogna mollare mai!
Un grido di rivoluzione che ha portato via il sonno alle notti, disturbate dal gelo delle ingiustizie che la vita riserva. Perché la creatività è così: può partire da un malessere, da un ricordo improvviso. Così è stato per “Mery”. Un pensiero su ingiustizie subite in passato ha fatto riemergere il ricordo tetro del momento vissuto: un podio perso per mancanza di senso di meritocrazia. C’era chi doveva occuparlo quel podio!
La rabbia, lo sdegno e la voglia di rivalsa hanno trasformato la chitarra nell’estensione del pensiero. Ed ecco, è nata “Mery” «che se n’è andata e forse ritornerà». Il testo è forte, ma vuole essere solo ed esclusivamente una metafora della vita, ogni riferimento a situazioni e cose, così come si dice, è puramente casuale e creato per scandalizzare a tal punto da far riflettere. Il brano ha un nome di donna, Mery, scelta non casuale. Le donne hanno una maggiore imparzialità di giudizio e sono difficilmente abbindolabili. Socialmente «super partes» a dirla breve, maggiormente capaci di andare oltre a qualunque tipo di compromesso, al contrario dei colleghi uomini, alle volte più facilmente condizionabili.
Mike Baker (Michele Sechi Huang) nasce a Pisa il 21 Aprile 1998, da madre cinese e padre sardo. Ha pubblicato sette brani, “Nuvole”, “Abitudine”, “Firenze”, “Agosto”, “Dalla (Gió”, “Home” e “Stupido” quest’ultimo selezionato da Amadeus e dalla commissione tra gli 845 iscritti a Sanremo Giovani per posizionarsi nei 20 semifinalisti in gara per il Festival. Nel giugno 2017 vince il Vocal War di Carrara, sale sul palco del premio Lunezia in qualità di ospite, insieme ad artisti famosi quali Negramaro, Morgan, Bernabei, Vibrazioni e tanti altri. Ha suonato sul palco del Pistoia Blues insieme alla sua band, dopo aver vinto un concorso in Toscana. Nel 2018 e nel 2019 all’interno del programma “Il rosario della sera” di Fiorello su radio Deejay, alcuni brani di Mike sono andati in onda in rotazione, compresi due jingle che Mike ha composto per Fiorello tratti da due suoi brani inediti. A maggio 2019 vince l’Axafortalent di AXAITALIA, guadagnandosi la possibilità di partecipare come ospite alla finale del programma The Voice Of Italy andato in onda su Raidue. A Settembre 2019 entra nei 10 finalisti del festival di Castrocaro in diretta su Raidue in prima serata, presentato da Belen Rodriguez e Stefano De Martino. Tramite Axa Italia, Mike ha avuto la possibilità di suonare sul palco dell’Alcatraz di Milano. È arrivato nei 20 semifinalisti di Sanremo Giovani 2019 su ItaliaSì Raiuno. Attualmente Mike sta lavorando al suo album.
Una situazione di disagio legata ad insicurezze personali è lo spunto da cui nasce questo brano che attinge dalle esperienze personali di Numb. A ciò si unisce la difficoltà di tenere duro e continuare perseverando, nonostante le avversità. “Rainman” è un flusso di coscienza senza filtri, un abbandonarsi completamente tra le braccia di emozioni, positive o negative che siano.
Numb, classe 1999, è un artista originario di Verona, quartiere Santa Croce.
Con diversi singoli e featuring all’attivo, le sue sonorità spaziano dall’hip hop/rap al soul e rnb. Molto attivo anche nel panorama live, Numb è stato recentemente l’opening act dello show di Mattak a Verona.
La quotidianità di un amore sfiorito tra influenze alternative indie e pop
In radio dal 25 marzo
“Carta da zucchero” racconta l’epilogo di quella che sembrava essere una nascente storia d’amore, interrotta dall’incapacità di incastrarsi e di conciliare obiettivi diversi: da una parte c’è un “cuore da clochard”, un cuore girovago che non ha intenzione di trovare riparo in un sola persona; dall’altra c’è chi spera, ogni giorno di più, di poter condividere con l’altro la quotidianità delle piccole cose.
«L’ispirazione per questo pezzonasce dall’ascolto di “Tu non mi basti mai”, la mia canzone preferita di Lucio Dalla.
In quel periodo della mia vita non ero al massimo della mia creatività, non avevo niente da dire e sentivo soltanto il bisogno di rispecchiarmi nelle parole degli altri, ma quel pezzo è stato uno spunto per pensare a quanto sia meraviglioso, quando si è innamorati, voler condividere una piccola parte della quotidianità della persona che ami.
I ricorrenti “vorrei essere” presenti nel testo di Dalla, sono diventati i miei “volevo essere”, seguiti da un forte senso di malinconia e nostalgia nei confronti di una relazione sfiorita. “Carta da zucchero” è una dedica, il destinatario la sa a memoria da mesi e ne sono felice» La Commare.
Il testo è un susseguirsi di immagini di vita quotidiana, misto a giochi di parole ricorrenti nella scrittura de La Commare.
La musica si muove tra influenze alternative indie e pop.
La Commare, classe ‘02, è una giovane cantautrice siciliana. Comincia a muovere i suoi primi passi nel mondo della musica già da piccolissima: nel 2012 partecipa al programma “Ti Lascio Una Canzone” in onda in prima serata su Rai 1 condotto da Antonella Clerici. Si accosta allo studio del pianoforte, ma ben presto manifesta una forte attrazione nei confronti del basso elettrico. Nel 2019 partecipa al talent “The Voice Of Italy” in onda su RAI2, dove, nonostante un’interessante battle al basso con Morgan, decide di entrare nel Team di Elettra Lamborghini.
il singolo estratto dal nuovo progetto dell’artista
Il sound del brano si rifà principalmente al bounce tipico dei rapper di LA, con bmp lenti e rilassati ma con la particolarità di avere un ritornello molto più cantato e melodico che rimane in testa facilmente. Le liriche seguono il filo conduttore di tutto il progetto riassumibile proprio in “shittalking”, italianizzato “Merdaparlando” come il titolo del progetto. Per i più affezionati all’artista, ricorda molto certe sue sonorità “tipiche”, inoltre inizialmente il brano si chiamava “bottarga di muggine” ma oltre ad essere un titolo difficile da ricordare, l’artista da molti rinominato Trap Lord per via della suo passato da pioniere della Trap, coglie l’occasione per rinominarlo Trappola non avendo ancora mai usato questo titolo prima .
Dot Valentino inizia la sua carriera nel 2014 con il nome di Dot, facente parte del collettivo Oro Grezzo, gruppo sciolto nel 2019, che si consacra come uno dei primi a proporre un sound con immaginario trap in Italia riuscendo a catturare l’attenzione di volti noti come Vegas, Lazza, Drillionare, Andry The Hitmaker, Giaime ecc…
Parallelamente al percorso intrapreso con il gruppo, l’artista pubblicò in solitaria 3 mixtape: Grezzo vol.1, 2 e 3 che lo confermano uno degli artisti più all’avanguardia in Italia in quel periodo e dopo un breve periodo di inattività riprese in mano la sua carriera da solista pubblicando vari singoli e l’EP “Insalata di polpo”.
Più recentemente l’artista Milanese si è riproposto con una serie di uscite caratterizzate da un sound molto veloce, flow dinamici e barre taglienti mai banali, tipiche dei rapper di Detroit e Flint, le cui produzioni portano la firma di Flatpearl e Succo.
Queste uscite attirano l’attenzione di realtà milanesi come il format Urban Class permettendoli di esibirsi in club di rilievo com l’Apollo di Milano a luglio.
Il 18 marzo è uscito il suo nuovo progetto solista “Merdaparlando”.
E’ online il videoclip del nuovo singolo della cantante italo-peruviana
E’ online il videoclip del nuovo singolo “Non mi va” dell’artista italo-peruviana Juriem, brano prodotto dal maestro Mario Zannini Quirini per Lead Records. Il video è stato realizzato nella splendida città di Venezia, dove l’artista ha ambientato la storia.
Juriem è una cantante, compositrice/songwriter e ballerina nata a Lima ma cresciuta in Italia. La sua musica abbraccia più generi ed è il risultato di un mix di contaminazioni, influenze ed esperienze di vita maturate in diversi paesi come il Perù, l’Italia, il Regno Unito e gli Stati Uniti. Significativo anche un periodo vissuto ai Caraibi, che la influenza musicalmente.
Le tipiche sonorità ritmiche caraibiche e la musica di matrice latina ispirano i primi lavori, ma con il rientro in Italia, a Roma, Juriem sperimenta un nuovo approccio e si avvicina ad un sound più occidentale e commerciale, incrociando gli stili fusion / hip hop e pop dance come nel nuovo singolo “Non mi va”. Nel testo viene descritto un amore, nato a Venezia, che si rivela un’illusione perché provato soltanto dalla protagonista. Juriem nel video si muove in un ambiente interno tipico delle abitazioni nobili veneziane. E’ l’artista stessa a spiegarci meglio: <<”Nel video é stato bello giocare con le soffuse atmosfere veneziane, tra luci e ombre, che ci siamo divertiti a ricreare. Abbiamo puntato sull’intimità di un unico ambiente, una camera da letto, sfarzosa e inarrivabile, per dipingere scenari accattivanti. È qui che i ritmi energici del brano si sovrappongono ai colori morbidi e alle tonalità calde della scena. È qui che nasce la magia ed è lecito sognare”>>
Il ritornello “Non mi va” rappresenta però il rifiuto dell’inganno di un amore che non poteva essere reale, prendendo Venezia come metafora, perché simboleggia la città che in questo senso ha tradito questa ragazza. E l’artista dichiara ancora: << “Venezia è un po’ la metafora della seduzione… ti inebria con la sua bellezza. Camminare la notte in mezzo alla stradine veneziane, è un’esperienza incredibile. Dietro ogni angolo un chiaroscuro, un riflesso di luna nascosto tra le pieghe dei canali. Ammaliante e sfuggente, complice degli amanti, questa è la Venezia che canto”>>. Con la sua interpretazione Juriem sceglie di lasciare un messaggio finale importante che va nella direzione del “women empowerment”, della stima di sé come donna e di lasciarsi alle spalle ciò che fa star male ed è “tossico”.
La vittoria è di chi riesce a divertirsi nonostante abbia il cuore pieno di tristezza. Nonostante un sorriso vero nasconda sofferenza quanto un sorriso finto, il primo trasmette forza, il secondo debolezza.
Si tratta solo di maschere e convenzioni di cui ci vestiamo nelle varie situazioni per poter affrontare più facilmente le situazioni della vita.
Giosuè Zecchini in arte Giosuè è un giovane rapper veronese classe 2002.
Pubblica il suo primo brano “Giosuè” nel giugno 2020 quando inizia la collaborazione col producer Leonardo Gaburro, in arte Swan, dando vita ad altri brani tra cui “Freestyle 1” che attira l’attenzione di Real Talk, importante realtà musicale Italiana che lo nota per la sua penna e il suo approccio alla scrittura, decidendo così di ripostare il brano sui propri canali.
Da questo momento nasce una collaborazione tra Giosuè, Swan e Real Talk che porta alla pubblicazione del suo ultimo singolo “Offline” uscito nel gennaio 2022.
Un brano dalle forti sonorità drill, prodotto da Rambla
In radio dal 18 marzo
Il nuovo singolo di Sciabola, “Homie”, è un onesto racconto delle scelte di Marco e di tutti coloro che lo circondano. Un brano dalle forti sonorità drill, prodotto da Rambla, capace di non omologare la produzione attraverso elementi sonori che si innestano perfettamente alle capacità del rapper.
Marco Oldani, in arte Sciabola, è un rapper toscano nato a Pisa il 1° luglio 1998.
Cresce in un piccolo paesino di provincia, Casciavola, dove si appassiona al mondo dell’hip hop grazie alla break dance e al rap. Dopo un periodo passato a fare freestyle con gli amici, Marco decide di approcciarsi al rap pubblicando i primi brani su YouTube, facendosi conoscere come Sciabola.
Dopo la pubblicazione di un primo EP, varie collaborazioni con altri rapper e producer, inizia a delinearsi così il suo stile che punta ad intrattenere l’ascoltatore grazie ad un rap fresco e innovativo, il quale si mescola a produzioni che si sposano perfettamente con il suo carattere irriverente. Nel 2019 pubblica “Coriandoli”, un singolo decisivo per la sua carriera che raggiunge i 160 mila ascolti su Spotify; in seguito la Universal Music Italia distribuisce nello stesso anno “Royal Rumble”. In questi anni Sciabola vanta di aver aperto i live ad alcuni tra i nomi più importanti della scena italiana, come Nitro, Noyz Narcos, Psicologi, Rancore e Nayt.
Il 2020 segna un nuovo inizio per il rapper pisano, nasce infatti il WKND Ent., che vede la pubblicazione di “Quarantena Sad Vibes RMX” ft. Rambla, singolo distribuito da Artist First. Con il WKND Ent. Sciabola, insieme al suo gruppo, inizia a lavorare alla pubblicazione del suo primo album, rilasciando il 19 marzo 2021 “Wakanda”, singolo che ne preannuncia l’uscita.
“Sangue dal cielo” è un viaggio nel dolore che i due artisti, PJ e Lolloflow, combattono tramite forza di volontà e indipendenza, andando oltre le critiche di chi non crede in loro e nella loro musica.
PJ nasce in una casa di ringhiera milanese, un microcosmo popolare fatto di mille suoni, colori e dialetti. Da quando era al liceo scrive e rappa per comunicare con gli altri, per il resto preferisce ascoltare.
BIO LOLLOFLOW
Lolloflow nasce dalla forte esigenza di un ragazzo di esprimere il suo profondo mondo interiore attraverso l’arte e le vibrazioni. In poche parole, cerca di dare vita alle note che vive ogni giorno. Sviluppa la passione per la musica a 12 anni grazie al pianoforte, scoprendo che, fino a quel giorno, non aveva mai respirato davvero. Consegue diversi diplomi formativi nel proprio strumento ma si avvicina al rap e in generale all’hip hop all’età di 18 anni. A 20 anni forma il suo primo collettivo trap/rap Suba Crew che si rivela determinante per la propria formazione professionale ed artistica. In un anno pubblica 4 singoli e nel 2022 esce “Musica e Rumore”.
Lo aveva già annunciato sui social ai suoi numerosi follower di un nuovo progetto discografico in arrivo e adesso Juriem è pronta per il lancio di “Non mi va”, nuovo singolo uscito il 18 Marzo su tutti i principali digital stores, prodotto dal maestro Mario Zannini Quirini per Lead Records.
Juriem è una cantante, compositrice/songwriter e ballerina italo – peruviana, nata a Lima ma cresciuta in Italia, a Torino. Attualmente vive a Roma ma ha vissuto un periodo di circa 6 anni ai Caraibi, lavorando molto con le radio locali e ha già all’attivo singoli, album e cover. In questo meraviglioso paese Juriem prende ispirazione, arricchendo le sue composizioni musicali e le melodie di matrice latina con le tipiche influenze ritmiche caraibiche. La sua musica abbraccia più generi ed è il risultato di un mix di contaminazioni, influenze ed esperienze di vita maturate in diversi paesi come il Perù, l’ Italia, il Regno Unito e gli Stati Uniti.
Con il nuovo singolo Juriem sperimenta un nuovo approccio. “Non mi va” è un brano diverso ed innovativo che nasce da un’ispirazione rivolta alle sonorità occidentali, dove si mescolano fusion/hip hop e pop dance. Il brano è stato concepito per essere una hit estiva e di sicuro successo commerciale, moderno, orecchiabile, dai ritmi vivaci ed allegri e rivolto ad un audience ampia e variegata.
Sebbene scritto in gran parte in spagnolo, il singolo ha una parte significativa in italiano. Per il testo Juriem si è ispirata all’Italia, raccontando l’amore di una ragazza che avviene a Venezia, amore che si rivela un’illusione perché provato soltanto dalla protagonista. Il titolo “Non mi va” rappresenta il rifiuto dell’inganno di una situazione amorosa che non poteva essere reale, prendendo Venezia come metafora, perché simboleggia la città che in questo senso ha tradito questa ragazza. Un messaggio che va nella direzione del “women empowerment”, della stima si sé e di lasciarsi alle spalle ciò che fa star male ed è “tossico”.
Sentiremo parlare ancora di Juriem, artista che riesce ad unire il calore e l’animo latino della sua personalità mixando la vivacità della sua musica a messaggi oggi più che mai importanti. E non è da tutti.
Sbagliati è un brano che cerca di congiungere il passato con il presente rispolverando le vecchie sonorità per poi riportarle al moderno attraverso temi giovanili. Parla di una storia finita non nel migliore dei modi dove lui cerca di dimenticare lei , i ricordi riaffiorano e la mancanza si fa sentire ma a volte è meglio dare spazio all’orgoglio per il proprio bene.
Samuele Russo, in arte Aisey, nasce a Siracusa il 10 marzo del 2002.
All’età di 14 anni si appassiona alla scrittura, che diventa parte fondamentale della sua vita; pian piano quelle che prima erano solo parole si trasformano in musica. Oggi lui cerca di farsi strada in questo mondo stupendo, ma allo stesso complicato, però sa bene che il lavoro ripagherà presto tutti i suoi sacrifici.
Finora conta più di 300.000 streams totali nell’arco di un anno su Spotify e non ha intenzione di fermarsi. Il suo percorso è in salita, ha già partecipato ai provini ufficiali di Amici 21 e lo vediamo per la prima volta in televisione grazie al programma The Coach. Attualmente ha firmato un contratto discografico con la Orangle Records “distribuzione Universal” che lo sosterrà durante il suo percorso. SOCIAL: https://instagram.com/aisey_official?utm_medium=copy_link https://vm.tiktok.com/ZMLrsUo6j/
Dopo il successo dell’edizione zero, tornano gli appuntamenti di «A scuola di attualità», il format con cui iSchool apre le sue porte ospitando nell’Auditorium digitale menti brillanti specializzate su temi di forte impatto sociale e culturale. Gli incontri, aperti a tutti, si terranno in digitale, generando uno scambio di conoscenze e nuove riflessioni.
Primo appuntamento, giovedì 24 marzoalle ore 09.50, con Elio Biffi, musicista eclettico che terrà una lezione concerto sull’Antologia di Spoon River del poeta statunitense Edgard Lee Masters e la trasposizione in musica ad opera di Fabrizio De Andrè nell’album Non al denaro, non all’amore né al cielo. In un clima intimo e introspettivo di sole tastiera e voce, Elio Biffi leggerà un estratto delle poesie di Lee Masters e spiegherà il modo in cui il cantautore genovese diede nuova vita al letterato americano.
«Apriamo questa nuova edizione di “A scuola di attualità” con un giovane artista che ha conquistando l’Italia insieme al suo gruppo musicale. Elio Biffi rappresenta un esempio di passione e tenacia nell’inseguire i propri sogni e coltivare le proprie passioni, portando sul palco dell’Auditorium digitale un’interpretazione profonda di una pietra miliare nella storia della musica italiana» – sottolinea Valentina Fibbi, titolare insieme a Francesco Malcangi di iSchool, ricordando che gli incontri saranno aperti a tutti in modalità a distanza con Microsoft Teams – «Da sempre in iSchool cerchiamo nuovi modi per ridurre le distanze fisiche e creare spazi aperti di condivisione. Grazie a questi appuntamenti sperimentiamo nuove modalità di formazione e relazione con l’obiettivo di coinvolgere e informare. Insieme a ospiti di valore, ci impegniamo a costruire una didattica diversa rispetto al passato: sempre più stimolante, creativa e formativa».
Fabrizio Fersino è un cantautore pop del Salento che dopo varie esperienze giovanili, con la maturità è approdato ad un approccio professionale con la voce iniziando a studiare con la rinomata Vocal Coach Cinzia Corrado, vincitrice di Sanremo Giovani 1985 ed artista con una solida preparazione classica di conservatorio e di canto moderno. Fabrizio ha maturato da questo percorso un approccio sempre più interiore con la musica che lo ha portato a cimentarsi anche con la composizione e con la scrittura dei testo, focalizzando la sua ricerca di contenuti sull’esplorazione degli stati d’animo e degli ostacoli sociali e culturali che impediscono alle persone di essere pienamente liberi per affermare la propria individualità.
Le motivazioni che hanno ispirato questo suo nuovo brano, che presenta un videoclip dal forte messaggio sociale anche a livello di messaggio nelle immagini, ce le spiega direttamente l’Artista: “Gira la Giostra è un brano POP dal ritmo incalzante ed allegro. Poche semplici frasi, un gioco di metafore e parole ripetute, da cui scaturisce un forte incitamento a vivere la propria esistenza senza paura, né vergogna di ciò che si è! Rivolto a quelle persone emarginate o dal carattere fragile e insicuro; capita spesso e a molti individui di essere presi di mira o sentirsi inadeguati, magari per un difetto fisico, per scelte di vita controcorrente o piuttosto per il proprio indirizzo sessuale”.
Con gli arrangiamenti del M° Ermanno Corrado, “Gira la giostra” si candida ad essere un brano simbolo per tutti gli emarginati dalle convenzioni sociali.
Storie di ordinaria frustrazione che trovano conforto nel destino comune, nel riconoscersi nella sconfitta, dove anche nel disagio si scopre la poesia.
in radio dall’11 marzo
L’attesa di un riscatto in questa o in un’altra vita che ci costringe tutti alla disillusione, questo accomuna le diverse realtà descritte nel nuovo brano “Pray for me” di Vincenzo Kira.
Vincenzo Kira, mc/beatmaker salentino, si avvicina all’hip hop in adolescenza militando in due crew locali, gli “Headzout” e i “Black Lights”, facendosi conoscere nel territorio tramite jam, contest e open act di artisti del calibro di Fabri Fibra, Salmo, Noyz Narcos e Dope D.O.D. Debutta nel 2015 col suo primo EP solista “Shinigami EP”, nel 2017 pubblica “Stomako” accompagnato dall’originale e spudorato video del singolo “Brazzers”. Nello stesso anno entra a far parte del movimento underground nazionale fondato da Inoki Ness “Rap Pirata”. A cavallo tra il 2017 e il 2018 Vincenzo Kira è più produttivo che mai sfornando una serie di videoclip e singoli che lo lanciano musicalmente nel panorama nazionale come “La scimmia”, “Gucci Gang Bang”, “Kurt Cobain” ed “Hellsong”, confermando l’originalità e l’irriverenza che lo contraddistinguono come uno degli mc più imprevedibili della scena. I singoli sopracitati, accompagnati da tracce altrettanto colorite, vengono raccolti tutti all’interno del mixtape “Cattive compagnie”. Svariate sono le collaborazioni con artisti eterogenei tra le più consolidate la rapper Sutta Subbra, Luis Resa e i Da Killers. Recentemente si dedica totalmente alla produzione solista, tra gli ultimi lavori di maggior rilievo i singoli “Compagno di merende” e “DPCM”.
Una ballad indie rap sulle occasioni perse, ispirata dall’omonima opera di Roy Lichtenstein
“Le due porte” di Lasersight è un disco pieno di collaborazioni e anche “Kiss V” non è da meno. Qui il beat di base è stato prodotto dalla band romana dei Malpensa, già presenti con un feauturing in “Turista per sempre”. Ma se nel precedente singolo era l’amore appena sbocciato ad essere protagonista, in “Kiss V” appare l’altra faccia della medaglia, ovvero le occasioni perse e l’infelicità che ne scaturisce.
Un ragazzo e una ragazza, due punti di vista, una partenza e un ritorno e una falsità che non si riesce a mascherare. Dualità che si inseriscono alla perfezione nell’intero concept dell’album, incentrato sulle scelte da compiere e sulle loro conseguenze.
Decidere quale uscio varcare fra due porte a disposizione e quale decisione prendere è il tema che accompagna tutto il disco e che il cantautore romano declina nelle 10 tracce che lo compongono. Scegliere una compagna, un futuro possibile, scegliere di crescere o restare bambini, di partire o restare, ma anche di cantare o rappare e come delineare il proprio percorso artistico.
LaserSight è un rapper romano classe ’90, influenzato dalle sonorità rap originali dagli Articolo 31 fino ai Club Dogo ed in quelle pop degli 883. Inizia ad affacciarsi nel mondo musicale già dall’età di diciotto anni dove inizia per passione i primi lavori autoprodotti con vari esponenti delle scena romana fino al 2012. Dopo un periodo di inattività nel 2015 torna in studio dove incide il suo primo mixtape dal titolo “Cambiamenti”. Le copie fisiche del mixtape vanno sold out nel giro di pochi giorni.
Il suo primo disco ufficiale, dal titolo “Sedotto E Abbandonato” disponibile su Spotify e digital store, è uscito il 31 maggio 2018 in collaborazione con l’etichetta torinese RKH. Il disco è stato prodotto interamente da JO Diana e vanta la collaborazione di artisti emergenti romani e Blue Virus. L’album presenta sonorità rap unite ad un sound pop e dance generi in cui l’artista ci si rispecchia molto e che denota un’evoluzione artistica del rapper.
Il secondo progetto discografico è stato strutturato con il lancio di diversi singoli tutti impreziositi dalla collaborazione con diversi artisti: “Un’estate da ricordare”, “Cadono le stelle” (feat. Rayden), “Voglio il mondo (feat. Yela Kiss)”, “Deluso” (feat. Yota Damore), “Unici” (feat. Calibro 40), “Ti Starò Vicino” (prod. Jack Sapienza) e “Call Back” (feat. Malpensa).
A dicembre 2020 il brano Unici è stato inserito nella compilation “Top Emergenti 2020” realizzata e distribuita da “Music Universe”.
Il 13 maggio è uscito il nuovo Ep del rapper dal titolo “Notturno”che raccoglie 4 tracce corrispondenti ad altrettanti pensieri. Il 5 novembre esce il nuovo album dal titolo “Le Due Porte” con 10 tracce. Il progetto è stato preceduto dai singoli “Limbo” e “Turista Per Sempre”. Ora, come terzo estratto, esce “Kiss V”.
Parte da Taranto l’avventura musicale di Alco, nome d’arte di Alessandro Conte, ventenne cantautore pugliese. Il suo esordio discografico avviene nel 2020 con il suo primo singolo “Dici ti amo” ed oggi si riaffaccia sulla scena con il suo ultimo lavoro, autoprodotto con il management della M.A. Eventi, dal titolo “Paragoni” uscito ufficialmente l’11 Marzo su tutti i principali digital stores.
La canzone è una ballad il cui testo è rivolto ad una donna immaginaria, con la quale si intreccia un rapporto d’amore che mostra i suoi lati buoni e cattivi come in ogni storia che si rispetti. Ci possono essere malintesi, vicissitudini che portano a delle cattiverie reciproche, problemi. E ci si fa del male, spesso involontariamente. Malgrado tutti gli errori che si possono commettere, alla fine Alco lascia un messaggio positivo: quello che dopotutto si può star bene insieme se si ama veramente, a dispetto delle difficoltà.
Alessandro sta già lavorando alla preparazione dei prossimi brani, ed è impaziente di far scoprire tanto di lui, grazie alla scrittura dei brani come nel suo singolo d’esordio “Dici ti amo”, dove racconta molto di se stesso. La capacità di scrittura, rimasta per lungo tempo nascosta nel suo privato, si è ispirata al talento di autori come Saverio Grandi e Mogol ed è finalmente uscita allo scoperto, aggiungendo un tassello importante alla sua passione per la musica ed il canto esploso all’età di 16 anni. Con lo studio del pianoforte si è avvicinato a gusti musicali sia classici che contemporanei, spaziando anche su altri generi come il pop. Gli artisti che segue e prende ad esempio sono nomi storici del nostro panorama musicale come Dalla, Battisti, Vasco Rossi fino ad altri più giovani come Ultimo e Cremonini.
Alco ha già rimesso in moto creatività ed energia, prontissimo per farci ascoltare tanta nuova musica e “Paragoni” è solo l’inizio di questo felice periodo.
in radio il singolo d’esordio del giovane cantante
Bisogna solo chiedersi è il singolo d’esordio di Ink. Un brano in stile pop italiano ben confezionato come nella tradizione del genere accompagnato dalla voce di Lorenzo Di Giovanni in arte (INK) che si amalgama con l’arrangiamento esaltando tutte le emozioni attraverso il suo “suono” inconfondibile.
In un epoca di musica liquida, di suoni edulcorati, della ricerca forsennata di melodie artificiali che si accodano ad una moda latente è bello riscontrare che un giovane scelga la canzone, la canzone nella sua forma più naturale composta con giusti equilibri per poter veicolare un messaggio e delle sensazioni rendendola soprattutto intellegibile. Quella canzone che alcuni, erroneamente, possono definire “passata” , “vetusta” ma che in realtà è ancora attuale ed apprezzata se giustamente condotta all’ascoltatore che ha ancora bisogno di immedesimarsi in una storia, in una riflessione.
Bisogna solo chiedersi canta Ink , un bisogno di porsi delle domande , di mettersi in gioco , domandarsi se l’amore è l’isola felice che si immaginava, chiedersi se un affetto sarà costante nel tempo , chiedersi cosa racchiude un istante e se l’istante può essere lo specchio di un futuro . Ma è forse sbagliato anche pensare che si è fatto tutto bene, è importante mettersi in gioco e riconoscere i propri sbagli, il riconoscimento dei limiti ci rende più veri. Bisogna solo chiedersi è una chiave di lettura di una vita in cui il tempo scorre inesorabile ma, nonostante tutto, non è mai finita.
Ink (Lorenzo Di Giovanni) è un giovane cantante che ha partecipato a molti concorsi e festival canori. “Bisogna solo chiedersi” è la sua prima pubblicazione ; il suo primo singolo scritto da Tiziano Orecchio (Sanremo 2006) , Lorenzo Sebastianelli e Renato Belluccio, prodotto da Italian Sound Lab 3.0 con la collaborazione di Macrì Productions di Alessandro Macrì
La perfetta sinergia tra i brani composti da Fabrizio Mocata e le coreografie create da GD tango in una idea di spettacolo di tango innovativa. Gli artisti sul palco riescono a coniugare un profondo rispetto del tango classico con una apertura a nuovi mondi artistici. Il pubblico sente questa energia condivisa tra musicisti e ballerini, che trascina magicamente lo spettacolo senza perdere mai di vista l’ascoltatore.
