Categoria: Arte e Cultura

[italiano]comunicato stampa

Mostra personale: Willy Verginer
Titolo: In hoc signo
A cura di: Luigi Meneghelli
Catalogo in galleria con testo di: Luigi Meneghelli
Sede: Galleria Arte Boccanera, Trento
Inaugurazione: sabato 1 ottobre 2011 ore 18
Periodo: dal 1 ottobre al 3 dicembre 2011
Orario: dal martedì al sabato 10.00-13.00 / 16.00-19.00
Indirizzo: via Milano 128/130 Trento
Info: +39 0461 984206 +39 340 5747013 www.arteboccanera.com

Willy Verginer: In hoc signo

“Otto sculture lignee, lavorate a tutto tondo, a tutto rilievo, che si ergono con le loro masse e i loro volumi, con il peso della loro materia nello spazio in cui sono collocate. Otto forme che in molti casi sembrano concentrate su di sè e sul proprio sistema interno di relazioni formali e di significati, come nella tradizione della grande statuaria antica e moderna. Ma la manualità decisa, anzi la lotta serrata con cui Willy Verginer (Bressanone, 1957) provoca o accarezza il legno non consegue un che di arcaico o di ieratico: egli non fa statue, totem o menhir, ma immagini in azione, in cui affiorano ancora i segni della sgorbia, della pialla, della raspa: “tutti attrezzi dai nomi così duri e corti che chi ha buon occhio li sente ancora lavorare” (G. Bachelard).
I suoi personaggi, sempre ad altezza naturale, non hanno riconoscibilità, connotazioni, ma vivono in una sorta di dimensione astratta. Eretti senza essere monumentali, sublimi senza essere eroici. Per attirare l’attenzione su di sè, essi non hanno a disposizione che le loro pose: gesti minimi, al limite del banale e dell’insignificante, ma anche gesti che fanno degli sforzi estremi per esprimersi, per comunicare oltre la loro fisicità.
Essi trasportano la scultura su un altro piano di realtà: sono solidi che come la terra trovano il loro moto, la loro vita nell’atmosfera che gli gira attorno. Tanto che ogni figura è una e molteplice, singola e irradiata oltre i propri limiti, quasi a costituire una sorta di magica installazione. E ad accentuare questo senso di dilatazione, di protensione visiva intervengono anche gli sguardi dei personaggi che scrutano unicamente il vuoto: anzi quella che potrebbe essere una cecità, una visività negata, sviluppa le potenzialità implicite, il racconto che ogni immagine porta in sè. E poi c’è l’azzardo della pittura: anche il colore infatti non blocca la narrazione ma la sovverte, non caratterizza volti, corpi, vestiti, ma zone, aree, quasi a voler suggerire inattese analogie, impreviste simmetrie spaziali. In questa mostra Verginer riduce il proprio prontuario cromatico alla nudità del legno e alla velatura del grigio-viola, cioè al confronto tra la luce e l’ombra, tra l’occultamento e la rivelazione. Solo che le parti si scambiano continuamente di posto: la tenebra fa aggallare la luce e la luce si ammanta di oscurità.
Quale il confine? Quale il segreto del legno (o meglio della “figura di legno”)? Qual è il vero spazio-tempo di questi corpi illusivi? Quale il loro Segno? (Luigi Meneghelli)

Con preghiera di pubblicazione

[english]press

Solo Exhibition: Willy Verginer
Title: In hoc signo
Curated by: Luigi Meneghelli
Catalogue text in the gallery by: Luigi Meneghelli
Location: Arte Boccanera Gallery, Trento IT
Opening: Saturday 1st October 2011 at 6 pm
From 1st October – 3rd December 2011
Opening hours: from Tuesday to Saturday, 10 am – 1 pm / 4 pm – 7 pm
Address: via Milano 128/130 Trento IT
Info: P 39 0461 984206 M +39 340 5747013 www.arteboccanera.com

Willy Verginer: In hoc signo

“Eight wooden sculptures in full relief and worked in the round; they rise up with all their mass and volume, with all the weight of their material in the space they are placed in. Eight forms that in many cases seem concerned only with themselves and their own internal system of formal relationships and meanings, fully in the ancient and modern statuary tradition. But the sharp and embattled handling with which Willy Verginer (Bressanone, 1957) provokes and caresses wood does not result in anything archaic or hieratic: he does not make statues, totems or menhirs but images in action; they clearly show the work of the gouge, the plane, and the rasp: “all tools with short, hard names that, to those with a good eye, still seem to be in action” (G. Bachelard).
His human-scale persons have no connotations for recognition but live in a kind of abstract dimension. They stand erect without being monumental, they are sublime without being heroic. In order to draw attention to themselves they only have their pose to help them: minimal, almost banal and insignificant, gestures, but gestures that give their utmost to express themselves, to communicate more than their physical presence.
They bring these sculptures to another level of reality: they are as solid as the earth and find their drive and their life in the atmosphere that surrounds them. So much so that each figure is both one and many, single yet spread beyond its boundaries, almost as though to create a magical installation. And what underlines this sense of dilatation and visual extension are the gazes of these personages which only scrutinize emptiness: what might seem blindness, the denial of vision, in fact develops implicit potentials, the tales that each image bears within itself. And then there is the hazard of paint: yet even the colour does not block the narration but subverts it; it does not characterize faces, bodies, and clothes but zones, areas, almost as though to suggest unexpected analogies, unforeseen spatial symmetries. In this show Verginer reduces his range of colours to the nudity of wood and to grey-violet veiling ; in other words, there is a confrontation between light and shade, hiding and revelation. Only the parts continually exchange places: darkness allows light to float and light cloaks the darkness.
What is the boundary? What is the secret of wood (or rather, of the “wooden figure”)? What is the real time-space of these elusive bodies? What is their Sign? (Luigi Meneghelli)

Submitted for publication

Sabato 10 settembre 2011 s’inaugura alle ore 19.00 presso la Galleria Vista in via Ostilia 41 a Roma, la mostra collettiva “Il Rumore del Colore” degli artisti: Aurelio Biocchi, Maria Teresa Capelli, Giorgio Carnevali, Tommaso Liuzzi, Marco Pira, Lino Porrari, Reseda Orrù, Marco Sciarpa

Centro d’Arte Vista

Presenta

IL RUMORE DEL COLORE

Mostra collettiva

DURATA: dal 10 settembre al 23 settembre 2011

INAUGURAZIONE: sabato 10 settembre ore 19.00

ORARI: dal lunedì al venerdì 15.00 – 20.00; sabato 16.00 – 20.00

LUOGO: Galleria Vista, via Ostilia 41 (Colosseo), Roma

CURATRICE: Michela Melis

INFO: [email protected]; www.vistatv.it

TEL: 0645449657

“Vista” è un centro dedicato all’arte e alla comunicazione che nasce dall’esperienza di alcuni giornalisti da sempre impegnati nell’organizzazione di eventi d’arte e cultura. Una project gallery che si rivolge ai giovani talenti esordienti, ma accoglie anche esperienze confermate all’ombra della splendida cornice del Colosseo.

In questo contesto Vista presenta la mostra collettiva “IL RUMORE DEL COLORE” curata da Michela Melis.

Spesso la parola rumore è associata a qualcosa di negativo, ad una sensazione di fastidio. Perché dunque utilizzare tale termine associato all’arte, e in particolare, al colore?

Il tema della mostra mi è balenato alla mente guardando le opere di Van Gogh: il colore ha una tale forza che trascende la forma. Ciò che colpisce i sensi dell’osservatore è il colore in tutta la sua forza, la sua energia.

Con “Rumore del colore” intendevo proprio questo: il senso primordiale, carnale dell’opera si risolve nell’espressività estrema del colore, nell’energia che cattura lo spettatore, invitandolo ad andare oltre la forma e lo spazio, parlandogli direttamente con una comunicazione diretta e concreta.

Il rumore del colore è come il rumore del mare e del vento: suoni armonici che hanno in sé la potenza cruda della natura.

Dopo aver parlato di temi importanti connessi al mondo della magia, come i legamenti d’amore o la cartomanzia, oggi affrontiamo un’altra importante materia le cui origini sono altrettanto antiche: l’astrologia. Tra le tante discipline connesse al mondo della magia e dell’esoterismo, l’astrologia è certamente la più antica e diffusa. Le sue origini possono infatti essere rintracciate nella prima metà della dinastia Hammurabi in Babbilonia, ovvero più di 3500 anni fa. Nella sua odierna forma l’astrologia asserisce che la posizione dei pianeti del sistema solare, all’epoca della nascita di un individuo, possano in qualche modo essere correlati alla sua personalità, ai suoi gusti, alle sue inclinazioni e preferenze, potendo in alcuni casi addirittura legarsi ai più importanti avvenimenti che accadranno nel corso della sua vita.

Bisogna però precisare che non esiste alcun tipo di accordo tra gli astrologi sul modo in cui ciò possa verificarsi, non essendovi nemmeno un parere unanime su quale sia la precisa posizione dei pianeti che possa produrre specifici effetti o avvenimenti.

Per quanto concerne le sue origini si è accertato che già i Babilonesi, che già possedevano una scienza abbastanza sviluppata in materia di astronomia, utilizzata soprattutto per la compilazione di un calendario necessario per la semina e il raccolto, svilupparono i primi fondamenti dell’astrologia. Fu proprio l’osservazione dei pianeti a dar vita ad una considerevole letteratura relativa ai cosiddetti “presagi planetari”, cosa che, nel 600 a.C., permise ai Babilonesi di inventare i dodici segni dello zodiaco, ovvero segnali nel cielo lungo il percorso del sole, della luna e dei pianeti che corrispondono ai mesi dell’anno. Durante l’età classica dominata dai Greci e poi dai Romani, gli astrologi babilonesi, detti Caldei, si diffusero ma subirono anche l’avversità dei Greci che consideravano la loro scienza assurda. Le cose peggiorarono con l’avvento del Cristianesimo, visto che i cristiani erano ostili alle religioni pagane. Furono le Crociate a riportare l’astrologia in Europa, dove questa disciplina riuscì a coesistere difficilmente con il Cristianesimo. La crescita esponenziale dell’astronomia scientifica andò di pari passo con il declino dell’astrologia che conobbe una nuova fortuna solo dopo la Prima Guerra Mondiale, quando l’astrologo inglese R.H. Naylor inventò la colonna quotidiana di astrologia sui giornali.

Nei giorni 23, 24 e 25 settembre 2011
Soqquadro partecipa con tredici dei suoi artisti alla fiera d’arte Arteinfiera di Scandiano (RE).

Artisti partecipanti:
FRANCO DALLA POZZA, ENZO FORLETTA, FRANCESCO GRANELLI, ANDREA LUCCHETTA, FABIO MARIGO, ANDREA MERCEDES MELOCCO, RAFFAELE MISCIONE, ROBERTA PEVERELLI, MAURIZIO PICCIRILLO, ANGELA SCAPPATICCI, JESSICA SIEFF, NORBERTO TEDESCO, MAURO ZUCCHI

DURATA: 23-25 settembre 2011
INAUGURAZIONE: venerdì 23 settembre ore 15.00
ORARI: 23 settembre 15.00/19.00 – 24 e 25 settembre 10.00/19.00
LUOGO: Parco Fiere Scandiano (RE)
CURATRICE: Marina Zatta
INFO: 333.7330045
@mail: [email protected]
Web: www.soqquadro.eu

Soqquadro partecipa a questa edizione della fiera d’arte di Scandiano con 4 stand in cui espone tredici dei suoi artisti che rappresentano vari stili artistici, figurativo, informale, astratto, computer art, impressionismo. In tutte e tre le giornate di svolgimento della Fiera, all’ora di apertura, è prevista un’inaugurazione che si effettuerà alla presenza di Autorità Provinciali, Regionali e addetti del settore.

Franco Dalla Pozza si esprime attraverso forme a spirale solo apparentemente identiche a loro stesse, ma che invece si sviluppano nelle varie e possibili direzioni della mente da cui sono generate e che, in parte, generano. Per costruirle Dalla Pozza ha utilizzato degli strumenti da lui ideati che servono a produrre, sotto guida attenta e controllata del pittore, un’evoluzione “naturale” del cerchio e un suo sviluppo spaziale che ne solidi l’esistenza rendendolo entità possibile.

Enzo Forletta parla così del suo lavoro: “Dai graffiti preistorici sulla roccia ai graffiti sui muri e sulle saracinesche attraverso impressionismo, divisionismo, surrealismo, cubismo, futurismo, realismo, dalla Gioconda alle Ninfee ai Girasoli, tutto è stato dipinto infinite volte ma la spinta all’espressione continua e ogni pennellata è sempre la prima e ogni colore o impasto è sempre unico, originale mai uguale conta solo l’essenza quando la si riesce a cogliere.”

Francesco Granelli affronta diversi stili, tutti rivolti alla rappresentazione formale dell’immagine e dell’immaginario, in cui prevalgono i colori caldi del rosso e del giallo disposti con pennellate brevi ma violente; l’incontro fra i colori deve rappresentare l’incrocio tra le diversità e le conoscenze; ogni opera si deve risolvere in brevissimo tempo (action painting) altrimenti perde il contatto con l’estro conduttore perché, come diceva Kris, “l’artista non rappresenta la natura, né la imita, ma la crea di nuovo”

Andrea Lucchetta, parlando di sé, ci dice: La sofferenza mi ha portato alla pittura psicosomatica. Il mio cammino si rivolge alla persona in tutti i sensi. Ho ripassato quelli che erano i tratti somatici delle persone, i volti, e sono andato nello specifico con i particolari anatomici e, adesso che mi sento pronto, trasferisco le immagini che vedo nel foglio.

Fabio Marigo ama indagare il macabro, l’occulto, la volgarità e il dolore con la forza della provocazione. Di se stesso dice: Non ho fatto scuole altolocate. Non ho titoli di studio importanti ne’ lauree pluricentenarie. Non conosco personaggi illustri. Non ho esposto in gallerie dai nomi cool. Non vengo pubblicato e non vinco concorsi. Non faccio parte dell’ultra-snob élite degli artisti contemporanei. Non cerco di essere innovativo e originale. Non cerco fama o gloria. Dipingo solo ciò che sento veramente.

Andrea Mercedes Melocco espone in questa occasione i suoi Totem: assi di legno fortemente incise e destinate all’abbandono riprendono vita. Un minuzioso e lunghissimo lavoro, guidato da uno sguardo che va oltre l’immediatezza, vaga oltre i confini della mente, là dove ogni materia ritrova l’unità originaria rimarginando le ferite aperte. Le vene e le arterie riprendono vita e accolgono segni in metallo che formano pentagrammi simbolici su cui si modulano intense visioni interiori.

La pittura di Raffaele Miscione trae spunto da molti motivi,trovi a esempio i colori gualciti dei vecchi muri di Napoli, degli intonachi dei vicoli, della lava del Vesuvio, le porosità dei tufi; quella di Miscione è pittura di memoria, materia toccata di una luce che la fa esplodere,ricordi ancestrali e immagini sepolte da cenere. Raffaele Miscione si diploma all’Istituto Statale D’Arte di NAPOLI sotto la guida di: Enrico Cajati Ginevra Rizzuto Elio Waschimps e frequenta in seguito l’Accademia delle Belle Arti di Napoli.

Roberta Peverelli presenta in questa occasione opere della serie “Abstraction” di cui ci dice: è un viaggio a ritroso nel tempo, antica memoria di terre lontane e antichi mosaici. Le opere traggono ispirazione dai mosaici bizantini, di cui uno degli elementi preminenti fu la lirica della luce, attraverso la quale proiettare immagini fantasiose in una dimensione astratta ed ultrasensibile. Qui lo spazio tende a dilatarsi, e le figure si convertono in immagini immateriali e ricche di colori. La natura resta comunque sempre il fulcro della mia esplorazione.

L’arte digitale, è l’ultimo sentiero intrapreso da Maurizio Piccirillo. Della sua scelta l’artista ci dice che: “Dopo la musica e la poesia, l’elaborazione di frattali mi ha incuriosito e catturato. Con la geometria frattale il mio scopo è riunire nel mio mondo artistico suono, parole e immagini. Per ora rimango affascinato dall’arte frattale. Questo si può notare dall’utilizzo dello sfondo nero, colore che caratterizza il mio stile e mi consente di rendere vive le immagini rendendo la musicalità, la poesia e la delicatezza.

Angela Scappaticci presenta opere che orbitano intorno alla monocromia del bianco e ci spiega: “L’idea è sfatare il concetto per cui i quadri debbano essere realizzati con i colori; un quadro può essere costituito anche solo da forme e simbolismi. Il bianco è la risultanza derivante dalla somma dei colori nello spettro elettromagnetico, ed è denso di significati: dalla purezza e spiritualità occidentali al simbolo del lutto di molte religioni orientali. Il bianco è la tavolozza cromatica più completa in cui tutto si può immaginare.

Jessica Sieff , partendo dalle cose più piccole e semplici, come una goccia d’acqua o un fiore, passando per la complessità del volto umano, fino all’immensità di un paesaggio, ricerca la perfezione e la bellezza del mondo in cui vive. Crea immagini che possano attirare l’osservatore per la loro semplicità, scontata e allo stesso tempo tanto prepotente che non può lasciare impassibile. Per evidenziare questo discorso la Sieff “calca la mano” con forti contrasti cromatici e violenti giochi di luci e ombre.

Norberto Tedesco predilige il figurativo, con escursioni in altri generi. Per la pittura usa oli, acrilici e gessetti su legno o carta, per la scultura il legno o l’argilla. Lavora da foto che fa ad amici e parenti che usa come modelli, elaborandole anche in computer grafica per la realizzazione di collage – decollage. Ha fondato ed è presidente di una associazione artistica con la quale promuove l’arte nel suo territorio, a Giffoni Valle Piana.

Mauro Zucchi dice: “Dipingere per me significa uscire da una società dominata dalle logiche meccaniche e tecnologiche. Questa realtà priva di umanità mi spinge a cercare nella pittura Forme espressive, portatrici di contenuto, nelle quali il colore è anima e sostanza. Non parto da correnti contemporanee, ma dall’analisi dei grandi classici otto e novecenteschi, con una nuova e intima consapevolezza semantica e linguistica del paesaggio, dell’oggettistica e dei sentimenti umani che rappresentano il mio “Essere”.