Categoria: Arte e Cultura

Antichità Chiossone, una moderna galleria d’arte antica, ha pubblicato oggi il suo nuovo sito web. Fondata nel 2007, da Giulio Chiossone, Giorgio Baratti e Giacomo Chiossone, è specializzata nell’oggettistica da collezione, mercato attentamente scrutato sia da collezionisti che investitori in arte.

Recentemente grazie al successo commerciale cha sta riscontrando “AC-Live”, il nuovo servizio di vendita interattiva, l’organo direttivo ha deciso di rafforzare la sua presenza anche sul web. Con il lancio del nuovo sito www.antichitachiossone.it, la galleria offre la possibilità di visionare ed acquistare l’intera collezione delle proprie opere. Gli utenti possono consultare ed acquistare qualunque esemplare, visionare e scaricare i cataloghi interattivi, registrarsi alla newsletter per ricevere offerte ed anterprime, partecipare alle televendite in diretta streaming ed alle discussioni sul blog e tante altre novità.

Attualmente sono visionabili oltre mille esemplari tra arte antica, moderna, gioielleria ed orologeria. Le funzionalità del sito sono state studiate per garantire una navigazione facile e veloce. Tutte le opere sono corredate da foto, descrizione dettagliata, prezzo, e per alcune da una presentazione video.

Giulio Chiossone, esperto antiquario e socio fondatore della gallaria d’arte ha dichiarato: “siamo orgogliosi di poter offrire a tutti gli appassionati del settore la possibilità di visionare gratuitamente le nostre opere e di accedere a molti servizi aggiuntivi e correlati (es. il glossario dell’arte), che personalmente, ritengo molto utile per approfondire quello che, per alcuni, può essere un hobby e, per altri, una vera e propria passione. Il nuovo sito è il risultato di un progetto iniziato un anno fa e che prevede una nuova modalità di porsi alla clientela, con un servizio accurato e dettagliato; ricordo, per esempio, che effettuiamo la consegna gratuita e diretta a casa del cliente senza alcun obbligo all’acquisto. Noi lo chiamiamo lo stile Chiossone, perché da decenni è l’impronta che contraddistingue questo nome. Nei secoli gli esponenti della mia famiglia hanno sempre avuto ruoli di rilievo nel mondo dell’alto collezionismo, anche se con differenze e peculiarità sostanziali; io ho una mia idea sul come non far rimpiangere i miei predecessori e questo è un piccolo ma succulento assaggio di quello che, grazie al lavoro ed ai nostri numerosi clienti, vorrei attuare.”

Antichità Chiossone

Antichità Chiossone è una galleria di arte antica e moderna, che tratta quadri, sculture, mobili e gioielleria. Specializzata nell’oggettistica da alto collezionismo delle più importanti produzioni manifatturiere del nostro continente esistite tra il XVIII ed il XIX secolo. L’attività svolta dalla ditta si basa sulla passione dei componenti del proprio organico, derivante da una tradizione secolare della famiglia Chiossone come testimonia il Museo Edoardo Chiossone di Genova.

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ANTICHITA’ CHIOSSONE s.r.l.
Via Algardi, 11 – Casamassima (BA)
www.antichitachiossone.it,

Contatti: Tel/Fax 080 697 02 47 – e-mail: [email protected]

Press release What’s More Alive Than You®

PRESS RELEASE #13 SEPTEMBER 2010 – WHAT’S MORE ALIVE THAN YOU®

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In attesa di conoscere i nomi dei designer selezionati dal secondo appello creativo, che ha visto la partecipazione di un crescente numero di Università e designers, WHAT’S MORE ALIVE THAN YOU® sta presentando in questi giorni altri due artwork della prima collezione, scelti dall’ appello creativo del 2009.

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Natalia Iliadi, Eva Papageorgiou-Marigli e Premrudee Leehacharoenkul, sono altri designer selezionati dal primo appello creativo WHAT’S MORE ALIVE THAN YOU® di cui presentiamo ora gli artwork realizzati.

Natalia Iliadi e Eva Papageorgiou-Marigli realizzano insieme il progetto mentre Premrudee Leehacharoenkul, designer già presentata per la realizzazione di altri artwork, propone un’altra creazione disegnata per questa prima collezione WHAT’S MORE ALIVE THAN YOU®.

NATALIA ILIADI
THIS IS ME
Tessalonicco – Grecia, 31 dicembre 1984

Quando avevo cinque anni, le solite discussioni con mia madre si limitavano a: “Questi calzini non stanno bene con questo vestito”. Da allora ho preso in considerazione la vita come un gioco di ruolo. Per poter giocare a questo gioco si deve scegliere un ruolo e per prima cosa bisogna definirlo scegliendone l’immagine. Per me, ogni giorno è una sfida per una nuova identità, a partire da quello che è conosciuto come il mio “look” (leggi anche: immagine personale, aspetto, abbigliamento, chinesiologia, atteggiamento).

EVA PAPAGEORGIOU-MARIGLI
THIS IS ME
Atene – Grecia, 20 febbraio 1985

Sono nata in un ospedale normale, sono cresciuta in una città normale, in una casa normale, con una famiglia normale. Un giorno normale ho imparato a conoscere i numeri che, senza dubbio, preferisco di più alle lettere! Ho iniziato a giocare con i numeri, e all’improvviso sono diventati distanze e proporzioni. E mi ricordo ancora il giorno in cui quel grande elemento chiamato “FORMA” è arrivato ed ha collegato i numeri! Da quel momento, nulla è stato più normale: penso di essere dipendente da design!

THIS IS OUR ARTWORK – N BAG

Questa borsa è un progetto basato sul conteggio: 8 tasche, 3 fori, 1 borsa e N modi di indossarla! Proprio per il fatto che, ogni volta, la distanza della parte del corpo che viene utilizzata è diversa, ci sono N modi di vivere questa borsa; non più solo sottobraccio o in mano ma, perchè no, anche intorno al collo. L’eleganza di abbinare l’accessorio borsa a qualsiasi abito, a qualsiasi stile, a qualsiasi momento della giornata.
N-Bag è realizzata in versione estiva ed invernale. Nella versione estiva è stato utilizzato un tessuto di puro lino naturale di due tramature, accoppiato ad un sottile strato di carta che fa da supporto una volta indossata. Una serie di 8 tasche di diverse dimensioni in puro cotone di colore arancione che caratterizza tutti i prodotti WHAT’S MORE ALIVE THAN YOU®. Nella versione invernale l’esterno della borsa è realizzato in cashmere accoppiato sempre ad uno strato di carta che dona all’artwork un’aspetto increspato.

PREMRUDEE LEEHACHAROENKUL
THIS IS ME
Bangkok – Thailandia, 6 ottobre 1982

Studentessa thailandese, laureata in product design, ma con la passione per gli accessori moda. Penso che le scarpe siano pezzi d’arte, non solo funzionali, ma anche ispirati. Il focus del mio design è la creatività, la sperimentazione e l’innovazione. Adoro mescolare diversi materiali e anche per questo progetto lo ho fatto esplorando oltre le mie stesse idee.

THIS IS MY ARTWORK – GYOZA TWIST SHOES

Gyoza Twist ha una forma particolare sia in pianta che di profilo. L’immagine è di una calzatura dell’800, caratterizzata dalla leggerezza, in contrasto con l’impatto visivo. Realizzata completamente in pelle di vitello conciata al naturale, di spessore fine e dalla mano molto morbida, accoppiata all’interno con una fodera sempre in pelle nel distintivo colore arancio. Una forma avvolgente, particolare, molto comoda nella calzata che permette una camminata comoda, grazie anche ad un tacco di 50 mm e ad una caratteristica forma ergonomica.

Di seguito i link con le foto di questi prodotti della prima collezione WHAT’S MORE ALIVE THAN YOU®.

BASSA DEFINIZIONE
http://www.wmaty.com/preview/previewLR.zip

ALTA DEFINIZIONE
http://www.wmaty.com/preview/previewHR.zip

Ad ottobre la prima intera collezione sarà presentata su WMATY.COM.
Una collezione innovativa, originale e di alta qualità che cambierà il volto della moda.

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Se ancora non conoscete questo rivoluzionario progetto fashion-art l’ufficio stampa WMATY è a vostra disposizione per ulteriori informazioni.

Contatto: Giovanna Pineschi – [email protected]

Vi terremo costantemente aggiornati sugli sviluppi del progetto WHAT’S MORE ALIVE THAN YOU®

Cordiali saluti,

Giuseppe Reo

Sabato 18 settembre 2010 si inaugura alle ore 18.30 presso la galleria Vista Arte e Comunicazione, in Via Ostilia 41 (zona Colosseo) a Roma, la mostra Bu-Io Not-Te, esposizione collettiva degli artisti: auroraliduo in trio (Damiana Emma, Andrea Lo Coco e Nicola Visotto), Giuseppe Di Forti, Aurora Del Rio, Luigi Maria Feriozzi, Christian Fogarolli, Yasmin Hassanin, Moma, Giuseppe Nicosia Di Fazio, Arlette Pasero, Sara Pieri, Giuseppe Sassone, Antonio Tommasini, Ramon Trinca, Ruediger Witcher. L’esposizione è dedicata ai lati oscuri dell’animo umano; le opere in mostra rappresentano, con tematiche e stili diversi, molte delle abiezioni che albergano in tutti noi.

Soqquadro & Vista
Presentano
Bu-Io Not-Te
Mostra collettiva

DURATA: dal 18 settembre al 1 ottobre 2010
INAUGURAZIONE: sabato 18 settembre ore 18.30
ORARI: dal lunedì al venerdì 14.30/19.30 sabato 17.00-19.30
LUOGO: VISTA Arte e Comunicazione, Via Ostilia 41, Roma (zona Colosseo)
CURATRICE: Marina Zatta
COLLABORAZIONI: Gloria Ceschin, Gemma Guirado Robles, Yasmin Mohamed Samir, Alessandra Parrella, Mara Valente.
INFO: tel. 06.45449756, cell. 333.7330045, 349.6309004
[email protected] www.soqquadro.eu

“Vista” è un centro dedicato all’arte ed alla comunicazione che nasce dall’esperienza di alcuni giornalisti da sempre impegnati nell’organizzazione di eventi d’arte e cultura. Una project gallery che si rivolge ai giovani talenti esordienti ma accoglie anche esperienze confermate all’ombra della splendida cornice del Colosseo.
In questo luogo Soqquadro espone la mostra collettiva Bu-Io Not-Te dedicata alle turpitudini dell’animo umano. Cos’è la bontà, cos’è la cattiveria? Chi di noi può dirsi Giusto, chi Generoso, chi Ingiusto, chi Avaro? Siamo crudeli? Non lo siamo mai? Lo siamo a volte? Quali sono le vie che nella nostra anima ci spingono ad agire scorrettamente nei confronti degli altri? Quali sono le giustificazioni che diamo a noi stessi e al mondo? Patria, Famiglia, Dio? Ideologie? In nome di quali altissimi e nobili ideali celiamo le nostre brame di potere, denaro, sesso, protagonismo, fama, egocentrismo? E viceversa, quando lasciamo spazio ai nostri egoismi, è davvero la parte peggiore di noi quella che tiriamo fuori? O è solo la più sincera?
Grandi teologi, filosofi, intellettuali, poeti, letterati ed artisti hanno sondato ed esplorato la parte oscura della nostra anima. Oggi Soqquadro ha chiesto di farlo ai suoi artisti, per dare vita ad una mostra e indaghi con occhio spietato nelle debolezze umane, con la stesso lucido distacco che ha un chirurgo mentre incide con il bisturi per estirpare un tumore, il tumore della nostra innocenza perduta.

Tre fotografi che si riconoscono con il nome d’arte di auroraliduo in trio (Damiana Emma, Andrea Lo Coco e Nicola Visotto) presentano scatti realizzati con uccelli morti. Il progetto nasce dal bisogno di escludere totalmente l’auroralità, ovvero immortalare l’immagine del momento cogliendone la palese bellezza, donando vita a soggetti inanimati in modo differente da come sarebbero in un contesto reale attraverso la cura del dettaglio di una messinscena. E siccome la vita è fugace tanto vale imbastire qualcosa di curioso con l’unica cosa che rimane dopo la morte: il corpo.

L’opera esposta da Giuseppe Di Forti ci viene così descritta dall’artista: “…piangendo da solo. Al buio. Un buio che contiene le mie emozioni. Emozioni che non posso e non voglio condividere con nessuno. Perché nessuno capirebbe. Perché nessuno sa di che materia è fatto il mio cuore ! ” Emozioni occultate. Stati d’animo tenuti dentro, nel buio del nostro cuore. Sentimenti esternati con noi stessi, con lacrime cariche di dolore di cui nessuno mai conoscerà la vera sostanza. Un altruistico modo per non fare soffrire qualcuno che si traduce in egoismo nei confronti del nostro cuore.

Nel lavoro proposto da Aurora Del Rio un corpo scomposto offre le sue parti,ferite,viscere al proprio sé carnefice. Il carnefice e il sé coincidono in quanto nel frammentarsi del corpo le parti rimangono autonome. Si mostra in un attonito stare in apertura-offerta innaturale come una ferita(troppo) aperta. Idea di un necessario stato dell’essere in allerta,in contatto con quel centro-ferita che non possiamo lasciar chiudersi, pena la perdita di ogni meraviglia. Riflessione sul sé come contrapposto-complementare dell’altro in cui si identifica,si sdoppia. L’altro diviene carnefice quando non è possibile esserlo per se stessi

L’opera di Luigi Maria Feriozzi è comparsa quasi dal nulla. Lo stesso artista ci dice: “Mentre preparavo il fondo con dei colori, ruotando la tela mi è apparso il volto di Amanda Knox. Ho lavorato su quella tela con il cuore gelato, con l’impressione di essere chiuso tra due pareti di roccia che mi opprimevano. Ho subito accentuato e definito il volto, ma eliminando anche qualche parte, come gli occhi con il nero. Ho aggiunto una seconda tela sulla quale ho rappresentato la vita/destino di questa ragazza con cilindretti di cartone colorati, vitali, attivi, spensierati, che però vanno verso lo scuro, il nero di questa anima torbida, infelice.”

Christian Fogarolli presenta un’opera in cui è rappresentato un uomo che urla. L’urlo è da sempre uno dei simboli per eccellenza dell’angoscia di tutti. Urlo come odio di sé e degli altri, come perversione, come spleen che scava nell’intimità dell’essere, nella coscienza sempre più penosa di se stessi. Icona del mal vivere, dei momenti in cui ci sentiamo persi e frammentati dall’ansia e dalla preoccupazione della vita, che a volte è talmente opprimente da divenire angoscia, un buco nero che ci inghiotte e che ci aspira dentro.

Yasmin Hassanin attraverso un ciclo di quattro tele, “Furto del fuoco”, “Castigo divino”,“Creazione di Pandora” e “Vaso di Pandora”, ha inteso dare vita ad un’unica opera, la cui figurazione si colloca nella dimensione del fondo extra-umano o pre-umano, che designa il “prima di ogni cosa”, l’origine del processo vitale che perdura alla sua base, identificandosi peraltro come un’ombra in ogni presente. “Chi più di Pandora”, ci dice l’artista, “l’equivalente pagana dell’Eva cristiana, meglio simboleggia – proprio in qualità di personaggio che libera i mali nel mondo le debolezze dell’animo umano?…”

Monica Mastellone, in arte Moma, disegna da sempre, sin da quando ha memoria. Dapprima con un po’ di timore per quella tela bianca che ha davanti ai suoi occhi, come fosse infinita, senza spazio e senza tempo e per quei colori a olio che la affascinano, proprio perché sconosciuti. Ma l’incontro avviene ed è la nascita di un dialogo che dura ancora oggi.

Giuseppe Nicosia Di Fazio nelle sue opere dal sapore iperrealista, riflette sul secolare antagonismo bene – male, a cui la tradizione riduce la caleidoscopica forma dell’IO umano. Dal fondo nero si staccano le figure umane, indagate con attenzione fotografica, e raffigurate così come la vita le ha rese. Conscio del dualismo dell’animo umano, l’artista né mostra in chiaro una parte, quella immediatamente visibile a tutti, lasciando in ombra l’altra, quella che esige la “scelta di voler vedere”. (S.Tofoni).

Nell’opera esposta Arlette Pasero ha voluto dar vita all’attimo preciso della presa di coscienza del tradimento, prima della rabbia, dell’idea di vendetta…solo dolore. Le braccia abbandonate lungo i fianchi non hanno i pugni serrati, ma solo ancora un lembo di colore,( che appartiene a lei), l’unico colore, tra le dita… Dalla finestra aperta immagino entrare il vociare della strada, perché la vita fuori continua, ma là, in quella stanza, è solo buio e tristezza.

Sara Pieri, che in questa mostra espone un’opera con un volto di donna trasfigurato fino ad essere quasi impalpabile in alcuni punti, definisce la sua poetica come tendente ad indagare l’animo umano e tutto l’universo sensibile che riguarda la carne e l’anima. L’emozione è ciò che quest’artista cerca e che desidera comunicare.

Nel dittico presentato da Giuseppe Sassone sono rappresentate vite e anime violate, vite e anime che gridano il disagio, il terrore per il male subito, chiedono aiuto, lo urlano, lo sbattono in faccia a volte, e a volte non è cosi semplice esternarlo, giacché non è facile trovare chi lo può accogliere o capire. Allora è meglio non guardarlo. È meglio coprirsi il viso, come se fosse solo un immagine di un cortometraggio, che fa presto a svanire. Ci si illude. Come gli animali, con l’istinto, quando ci si rende conto di non avere armi per proteggersi, non resta che chiudere gli occhi, e non guardare.

Per Antonio Tommasini nella precarietà dell’esistenza e dall’angoscia che ne deriva, l’uomo patisce la violenza del proprio destino e della doppia essenza di vittima e carnefice. Colori e forme si liquefanno a sottolineare l’attesa incerta di qualcosa certo da sempre. In verità con la mia pittura, ci dice l’artista, cerco di rendere tutta la forza della vita, faccio di spazi fabbricati e artificiali luoghi di resistenza quotidiana.

Ramon Trinca, pittore e poeta, presenta in questa mostra l’opera “Verità è il destino che ci è toccato” e della sua ricerca, sul segno o sulle parole, ci dice: “…onestamente non ho mai ricercato, pittoricamente parlando o in quello che scrivo, oscurità o chiarezza…voi onestamente, avete mai domandato chiarezza alla notte?…”

Il discorso presentato da Rudiger Witcher, di denuncia della violenza della guerra, è già stato esplorato molte volte, ma quello che conta e’ la forma della narrazione. Le sue figure, dipinte con lo stile dei graffiti metropolitani, sono esseri mostruosi in bilico tra l’essere poliziotti, soldati o androidi fantascientifici. E’ questo un modo originale di dire una cosa che dicono in molti: abbasso la violenza e viva la pace. L’opera di Witcher e’ un urlo, dove si legge che chi vive della violenza e’ vittima, oltre che carnefice, perché costretto a divenire un essere inumano, senza volto, con un corpo camuffato, trasformato in figura robotica senza personalità.

“Negli ultimi anni si è definito un nuovo mercato per l’arte contemporanea, formato da giovani collezionisti che cercano arte giovane. Tiene conto di queste esigenze Smartarea, primo esempio in Italia di galleria che opera in Internet, usando tutte le potenzialità del Web: il sito, che propone le opere; Twitter, dove gli artisti le raccontano; YouTube, dove c’è il canale SmartareaTV. Fondata nel 2008, Smartarea propone soprattutto giovani artisti, italiani e internazionali”.
Sono le prime righe dell’articolo di Mario Gerosa che AD, prestigiosa rivista internazionale di arredamento, design e architettura, dedica a Smartarea sul grande numero da collezione di settembre, da pochi giorni in tutte le edicole (p. 106).

A cornice del testo AD ha scelto opere dei nostri artisti Stefano Abbiati, Stefano Bolcato, Andrea Chiesi e Vanni Cuoghi (qui a fianco alcune delle tele pubblicate).

In occasione dell’uscita dell’articolo Smartarea amplia la rosa delle opere dei propri artisti. Si va dalle tele mineralizzate di Stefano Abbiati, esposte in occasione della recente personale di Milano a cura di Gianluca Marziani, agli alter lego di Stefano Bolcato. E poi ci sono nuove architetture industriali, biblioteche e archivi di Andrea Chiesi che, di ritorno dai successi di New York, continua a stupire per realismo e profondità della sua arte; e l’ironia fiabesca e adoppio senso delle storie raccontate da un onirico Vanni Cuoghi.