Autore: Galleria Berga

La serata di presentazione avrà luogo giovedì 12 ottobre alle ore 18:30 e sarà accompagnata dal vernissage di una mostra collettiva delle artiste Elvezia Allari, Pietrina Atzori, Monica Gorza, Patrizia Polese e Francesca Porro, protagoniste del racconto di Emanuela Scuccato.

Le parole di una giornalista appassionata di arte contemporanea, a difesa delle cosiddette “arti minori”, ovvero quelle arti che vedono impiegati materiali come metalli, ceramiche, tessuti … in contrapposizione alle “maggiori”.

E se invece uscissimo da questi schemi valutando che l’arte contemporanea si esprima ormai ben oltre queste barriere di materiali o modi d’uso? E, anzi, considerassimo il saper lavorare un materiale una risorsa, un valore artistico aggiunto?

È sulla base di questa convinzione che si è scelto di addentrarci, attraverso le pagine del testo di Emanuela Scuccato, nel mondo della tessitura, del filo, dell’intreccio. Il lavoro delle cinque artiste, Elvezia Allari, Pietrina Atzori, Monica Gorza, Patrizia Polese, Francesca Porro, che si presenta in modo molto intimo attraverso il dialogo con la scrittrice, viene riproposto dal vivo in galleria alla presenza fisica delle cinque protagoniste e delle loro opere allestite intorno al tema del corpo.

Ti dico subito, caro Lettore, quello che non troverai nelle pagine che seguono: una definizione dell’arte. Quello che ci troverai invece, almeno me lo auguro, sono delle indicazioni per cominciare a esplorare un territorio vivo e purtroppo, ti avverto, pieno di trabocchetti.

(E. Scuccato, “IO SONO. Arte”).

Un percorso espositivo inusuale, che identifichi pienamente il lavoro di ciascuna artista, muovendosi tra installazioni, performances e foto-tessuto, quale risultato di una ricerca personale sul sé e sul corpo che si mostra al mondo.

La fierezza di ogni protagonista di sentirsi donna e di veicolare arte, attraverso passaggi di vita non sempre lineari, minati spesso da quei “trabocchetti” di cui scrive Emanuela Scuccato.

Parteciperanno alla serata l’autrice Emanuela Scuccato, le artiste Elvezia Allari, Pietrina Atzori, Monica Gorza, Patrizia Polese, Francesca Porro, e la redattrice responsabile del progetto Federica Tosadori.

Il libro è edito dalla casa editrice Edizioni del Gattaccio, Milano (www.edizionidelgattaccio.it) e l’evento è a cura di Elisa Schiesari.

Link a “IO SONO. Arte”: http://edizionidelgattaccio.it/le-collane/io-sono/

La mostra sarà aperta al pubblico dal 12 ottobre al 19 ottobre, dal martedì al sabato, con i seguenti orari: 16:00-19:30, e su appuntamento chiamando il 3473850527.

Pierluigi De Lutti

Esposizione personale

Dal 18 Marzo al 07 Aprile 2017.

Inaugurazione:  sabato 18 Marzo 2017, ore 18.00.

Luogo: Galleria Berga, Contrà Porton del Luzzo, 16 – Vicenza – www.galleriaberga.it – [email protected]

Orari: dal martedì al sabato, 16.30 – 19.30.

Galleria Berga allestisce i suoi spazi espositivi con l’ultimo ciclo pittorico di Pierluigi De Lutti. Colpisce dell’artista una vivace propensione al parlare di sé, e un’altrettanta schiva nuvolosità interiore, che a tratti gli annebbia lo sguardo, portandolo verso lande deserte, lontano dalle intromissioni umane. Nativo di Monfalcone, Pierluigi De Lutti asseconda fin da giovanissimo, dai 17 anni, il suo animo inquieto, lasciando la casa di famiglia e studiando a Ferrara. Dopo aver frequentato gli studi di maestri come Giuseppe Zigaina, si reca più volte negli Stati Uniti, frequentando corsi di astrattismo a Los Angeles e a New York. In quel periodo, dagli anni ’90 in poi, trova nel lessico dell’Informale la giusta corrispondenza tra la sua necessità di intima espressione e una gestualità pittorica per lui efficace. Identifichiamo la peculiare azione segnica di De Lutti sulla tela in larghe spatolate materiche, di densa pasta di colore, che si alternano ritmicamente in orizzontale, in verticale e a “boomerang”, in modo evidentemente non casuale, né caotico. Nella “texture” di linee che si crea, risultano in aggetto soprattutto quelle arcuate, di alto valore simbolico: sono ponti, passaggi tra il territorio del visuale e quello dell’immaginazione, sono i continui rimandi tra il terreno fertile del reale e l’esperienza immaginifica dell’intimo. È, infatti, comune agli artisti Informali mantenere un legame con l’immagine percettiva, la sensazione, l’esperienza fisica che è stata lo stimolo per l’astrazione, come un’impalcatura fantasma che regga l’intrico dell’essenzialità di segni, macchie o oggetti materici, che, nell’Informale, non hanno un immediato riscontro nella forma reale, ma da essa prendono inevitabilmente le mosse. Negli anni il lavoro di De Lutti acquista sicurezza. Non si tratta di una sicurezza d’azione – quella si manifestava già in piena esplosione nella forza del tratto pittorico – ma di una sicurezza espressiva, d’intenzione. De Lutti intende disvelare la propria intimità, destrutturare il groviglio di masse di colore, e lasciare intravedere la linea dell’orizzonte del proprio paesaggio interiore. Dunque, in una progressione calibrata e razionale, goccia dopo goccia, l’artista fa sgorgare il proprio sentire, rendendo più “umida” la sua pittura. Rispetto alle tele con le spatolate plastiche, sono invero già carichi di una maggiore spiritualità e forza evocativa i suoi monocromi, in cui si intravedono delle trasparenze, ottenute mediante ripetute stesure di colore, a velature sovrapposte. È, però, nell’ultimo ciclo di De Lutti che si ha la piena conquista dell’intenzione: pur nel permanere di qualche residuo materico, si assiste alla completa dissoluzione del reticolo di linee orizzontali-verticali-oblique, e ad una totale “fluidificazione” del corpo del colore. De Lutti apre i canali della sua intimità, De Lutti fa scorrere il colore sulle tele.  Nel far questo la sua pittura non perde l’originaria carica dirompente. Sono gettate di colore acquoso coloratissimo, in prevalenza ancora colori puri (rossi, blu, arancio, neri …) che riescono ad evocare, a suggerire, a stimolare la nostra capacità di osservazione. In precedenza, tra le lame di colore pastoso, talvolta l’artista creava degli spiragli per l’osservatore, dentro cui potesse immaginare quei mondi, quei paesaggi, che ora, l’artista disvela chiaramente, nella dissoluzione della plasticità. Sembrerebbe quasi comparire, un lento ed appena percepibile, figurativismo. Forse delle scogliere dei mari del nord, su cui i flutti “deluttiani” si infrangono, delle maree, certamente dei cieli tersi, delle “aurore”, come d’altronde ci suggerisce lo stesso autore nelle titolazioni delle opere (si vedano ad esempio “Aurora rosa”, “Into the sky” …).

Elisa Schiesari

Pierluigi De Lutti

Pierluigi De Lutti nasce a Monfalcone il 23 agosto 1959. All’età di diciassette anni lascia la casa di famiglia e raggiunge Ferrara, dove per alcuni anni alterna gli studi alla attività sportiva. L’ interesse per l’arte da sempre vivo in lui, (si è diplomato all’Istituto d’Arte) si manifesta negli anni ’80, quando rientrato in Friuli prende contatto con la Galleria “Nuovo Spazio”  di  Liciano Chinese e con  il critico d’arte Paolo Rizzi, che lo seguirà fino alla morte avvenuta nel 2006.L’intuizione artistica invece arriva con la frequentazione dell’ Atelier del Maestro Giuseppe Zigaina. Per lungo tempo il poeta Mario Stefani ha scritto di lui. In quegli anni inizia ad esporre le prime opere apprezzate dal pubblico e dalla critica, non solo locale. Durante gli anni ’90 ha seguito per lungo periodo i corsi Astrattismo a Los Angeles e a New York passando così dal figurativo all’informale.

Nel 2005 inizia la sua collaborazione con la Galleria d’arte Orler e da subito il grande pubblico ne stima le proposte e a tutt’oggi lo segue con interesse nel suo divenire artistico. Il MoMa di NewYork dopo avere selezionato l’opera del 2006 “Doppia ferita 2001” lo invita ad entrare nel The Artist Wiewing Program inserendo nella libreria del museo il catalogo “Attuale Spiritualismo”. Nel 2008 secondo classificato al premio internazionale Boè gli viene conferita la Laurea in Storico dell’Arte dall’Univerità di Verbania. Comincia a collaborare con la Galleria di New York DJT Fine Art.

PATRIZIA POLESE – Esposizione personale

Dal 15 Ottobre al 19 Novembre 2016.

Inaugurazione: 15 Ottobre 2016, ore 18.00.

Luogo: Galleria Berga, Contrà Porton del Luzzo, 16 – Vicenza – www.galleriaberga.it – [email protected]

Orari: dal martedì al sabato, 16.30 – 19.30.

 Durante la serata di inaugurazione, sarà proiettata una videoinstallazione, pensata sull’artista in mostra, dell’Associazione Culturale UBIKteatro. Associazione che opera dal 2007 con istallazioni e performance presentate in numerose gallerie italiane ed estere.

PATRIZIA POLESE – Esposizione personale

Con Patrizia Polese, Galleria Berga ricerca lo spazio del respiro, della comunanza, della riflessione. Come artista, innanzitutto, Patrizia Polese non prescinde dalla sua umanità, ossia dal suo essere viva e vitale nel mondo. Come in ogni essere umano, in lei coesistono e si fortificano a vicenda, varie esistenze: Patrizia donna-moglie, Patrizia donna-madre, Patrizia donna-che si dedica ad un mestiere. Accorpando le tre immagini otteniamo un essere umano completo, presente alla sua esistenza e che, nel suo caso, si realizza come artista. Per Patrizia l’“essere” artista precede il “produrre” l’opera d’arte, nell’ambito di un processo spirituale, introspettivo, caparbio: prima delle sculture, sintesi proporzionata della sua espressione artistica, si manifesta l’attitudine a stabilire “legame” con l’altro. Patrizia si sente ben supportata dalla duttilità esecutiva che le presta la tessitura, nella sua naturale propensione a creare “trame”, a connettere il suo universo interiore a quello degli altri esseri umani, arrivando a far percepire a chi le sta intorno la grandezza, la vastità e l’immensità che unisce ogni uomo, non unico, ma partecipe di un insieme armonico. In mostra, con una personale in Galleria Berga, Patrizia Polese sceglie la circolarità, la continuità, il fluire, potente e lieve allo stesso tempo. Vorace, sanguinoso e lucente, allo stesso tempo. Con meticolosa attenzione ai ritmi compositivi, la Berga perde la sua originaria dominanza spaziale, assimilando completamente la poetica di un’artista. Ed è, così, che si ha una nudità che sconvolge, che si fa scultura, che scuote, che abbraccia. I materiali usati, quali fili di ferro, rame, iuta, ottone, oro, sisal, si intrecciano per darci la sagoma di un orecchio, il volume di un muscolo, un cuore che pulsa, l’iride di un occhio. Nella infinita vastità delle forme, che si confondono in uno scenario apparentemente naturale, per cui l’iride potrà sembrare anche un fiore, l’orecchio una medusa ed un muscolo umano la corteccia di un albero, è allentato il confine tra Uomo e Natura, per cui dall’uno nasce l’altra, nell’altra si perde l’uno, in un continuo inizio e ritorno. E se in mostra è esposto, nell’accezione precisa del “reso oggetto di osservazione”, l’umano corpo, faccia di una nuda natura, o potremmo anche dire l’inverso, corpi di natura, faccia di una nudità umana, il percorso ottico generato dall’alternanza dei pieni e dei vuoti, dalle scale dimensionali volutamente non lineari, dalle cromie modulate sui magenta, le acque marine, i neri e l’oro, induce un movimento, intorno a noi e dentro di noi, così forte da dare un capogiro. Tornando ai tre aggettivi iniziali la “comunanza” descrive l’artista come “uno di noi”, uno “in mezzo” a noi, e l’arte da lui prodotta come “parte di noi” tutti, mentre la riflessione è indotta sul “partecipante” (vogliamo parlare di esperienza, più che di osservazione di opere!) dalla presenza di molti ritratti. Patrizia Polese usa la sua immagine come pretesto iniziale per inaugurare una serie, quella dei “ritratti esistenziali”, come da lei stessa chiamati. Su sottili fogli di carta pergamena intravediamo il suo volto ed il suo corpo, in pose raccolte, scostate, prestate allo sguardo degli altri, ma senza sfrontatezza. Non è, infatti, l’immagine esteriore, a cui siamo abituati a reagire, o che tendiamo a giudicare istintivamente, che richiama l’attenzione, ma la “Patrizia dubbiosa”, quella i cui pensieri sono così pressanti e pesanti sul capo da aggrovigliarsi in fili di cotone coloratissimi, o la “Patrizia tenera e tenace”, le cui gambe generano fiori, o frutti, o “LE PatriziE”, quella bambina e quella adulta, sovrapposte, nel lacerante ricordo di un passato che non può dimenticare. Ago, filo, oro, tessuti, nell’elaborazione artistica, descrivono con maggiore impatto e verità quello che anima l’”interiore”. Fermiamoci a respirare, e a riflettere sul valore delle nostre vite, perché è dalla decisione di “dare valore” alla sua vita, che un’artista comincia ad essere veramente tale.

Elisa Schiesari

Patrizia Polese

Dopo una lunga esperienza nel campo del restauro (Milano-Venezia, 1993-97), la passione artistica e tessile l’ha portata ad approfondirne la ricerca partendo dal quotidiano, dal transitorio e dall’effimero. Ha conseguito il diploma alla Scuola d’Arte Applicata del Castello Sforzesco di Milano, con specializzazione nell’arte della tessitura (1995). Attraverso la passione artistica, è alla continua ricerca di un linguaggio comune tra tutte le cose, un intersecarsi non solo di spazio e tempo ma anche di elementi umani, animali e vegetali. Un tentativo costante che ha come obiettivo il risveglio delle coscienze alla verità della non separazione tra l’io e l’ambiente e di come tutto sia governato dalla percezione individuale attraverso la quale tutto si compone, si scompone e si collega. Oltre alla tessitura bi e tridimensionale utilizza differenti medium come il disegno, le installazioni, la fotografia. Espone regolarmente le sue opere in esibizioni personali e collettive sia in Italia che all’estero. Nel 2016 partecipa alla nona edizione del Triennale Design Museum “W. Women in Italian Design” di Milano. Tiene regolarmente corsi di tessitura a privati e nelle scuole pubbliche. Collabora con aziende nel campo della moda e del design.